Top 100 ngôi sao khiêu dâm Nhật Bản năm 2022
|
Trong những năm gần đây, nền điện ảnh Việt Nam bỗng trở nên sôi động bởi nhiều gương mặt diễn viên tài năng, xinh đẹp. Họ không chỉ gân ấn tượng trong lòng khán giả bởi kỹ năng diễn xuất tài ba, mà còn ngoại hình vô cùng xuất chúng. Đã bao giờ bạn từng thắc mắc: Nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam là ai chưa? Trong bài viết này, hãy để Coolmate giải đáp thắc mắc này giúp bạn nhé! Show
 1. Jun VũJun Vũ tên thật là Vũ Phương Anh được biết như là diễn viên kiêm người mẫu có nhan sắc ngày càng mặn mà. Năm 15 tuổi, Jun Vũ theo cha mẹ sang Thái Lan định cư, tuy nhiên gương mặt vàng vẫn thường xuyên tham gia các hoạt động nghệ thuật tại Việt Nam và quốc tế. Năm 2015, Jun Vũ tạo dấu ấn đặc biệt trong lòng khán giả trong MV ca nhạc Sau tất cả của Erik bởi gương mặt rất đỗi ngọt ngào, trong sáng tỉ lệ vàng. Sau đó, nữ diễn viên cũng nhận lời mời tham gia nhiều bộ phim đình đám khác như: 12 chòm sao: Vẽ đường cho yêu chạy (2015), Cho em gần anh thêm chút nữa (2016), Tháng năm rực rỡ (2018), Người bất từ, Cảm ơn ngày thanh xuân rực rỡ (2019).... 2. Chi PuNổi lên với danh xưng là một hotgirl Hà Thành chính gốc, Chi Pu lấn sân sang con đường nghệ thuật và đạt được nhiều thành tựu đáng nể. Cô được khán giả yêu thích trong series phim 5s Online đình đám một thời. Hình ảnh Nana công chúa quá đỗi ngọt ngào và đáng yêu đã in sâu vào tâm trí khán giả. Dù đã đứng trên đỉnh cao của sự nghiệp nhưng Chi Pu vẫn liên tục thử thách bản thân bằng cách tham gia góp mặt trong nhiều bộ phim mới, youtuber, người mẫu, gần đây nhất là ca hát. Không thể phủ nhận rằng Chi Pu ngày nào đã trở thành một cô nàng có body vô cùng nóng bỏng cùng gương mặt xinh đẹp rạng ngời. 3. MiduNằm trong top những diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam không ai khác chính là Midu. Cô nàng tên thật là Đặng Thị Mỹ Dung tại Hồ Chí Minh đang là gương mặt ăn khách trong nhiều show truyền hình hiện nay. Midu sở hữu vẻ đẹp vạn người mê với khuôn mặt không góc chết và thân hình gợi cảm đã khiến không ít chàng trai mê đắm. “Cô vợ quốc dân” cũng thường xuyên thử sức trong nhiều lĩnh vực khác nhau như đóng phim, MC truyền hình, người mẫu, ca hát. Cô cũng có một background “cực chất” khi từng là á khoa trường đại học kiến trúc, thủ khoa trường cao đẳng văn hóa nghệ thuật, cô nàng chính là hình mẫu nữ diễn viên toàn tài trong làng showbiz Việt. 4. Diễm My 9XNếu ai là người thường xuyên theo dõi điện ảnh Việt thì chắc hẳn đã quá quen với gương mặt của nữ diễn viên Diễm My 9X. Ngoài gương mặt vô cùng ăn ảnh, Diễm My 9X còn khiến khán giả phải trầm trồ bởi thân hình bốc lửa và số đo 3 vòng cực chuẩn. Dù chỉ cao 1m65 nhưng cô nàng luôn chiếm trọn spotlight mỗi khi bước trên thảm đỏ. Diễm My 9X được đánh giá là mỹ nhân Việt thông minh, xinh đẹp và gặt hái được nhiều thành công trên con đường nghệ thuật. Dù đã bước qua tuổi 31 nhưng nữ diễn viên vẫn giữ được nhan sắc mặt mà, xinh đẹp khó người nào có được. 5. Quỳnh KoolQuỳnh Kool tên thật là Nguyễn Thị Quỳnh là cái tên mới nổi trong nền điện ảnh Việt một vài năm gần đây. Cô là một diễn viên tài năng sở hữu gương mặt bầu bĩnh, dễ thương và được giới chuyên môn đánh giá cao về tài năng. Quỳnh Kool tham gia khá nhiều bộ phim và MV ca nhạc như Vợ người ta, Mong em luôn mỉm cười, Tuổi 16, Gió mùa về,... Xuất thân từ trường đại học sân khấu và điện ảnh Hà Nội, Quỳnh Kool không ngại tham gia nhiều vai diễn có độ thử thách cao như: Quỳnh búp bê (vai Đào), Đừng bắt em phải quên, Hướng dương ngược nắng, Nhà trọ Balana,... Gần đây nhất, nữ diễn viên xinh đẹp cũng là diễn viên chính trong bộ phim Hãy nói lời yêu. Năm 2020, Quỳnh Kool đã lọt top danh sách đề cử hạng mục Nữ diễn viên ấn tượng trong giải Ấn tượng VTV là trái ngọt sau chuỗi ngày miệt mài cống hiến cho nền điện ảnh nước nhà. 6. Ngân KhánhNgay từ khi còn nhỏ, Ngân Khánh đã được mệnh danh là hotgirl khi sở hữu gương mặt khả ái, xinh đẹp cùng với thân hình cân đối. Bước chân vào nghiệp diễn từ năm 2005, Ngân Khánh đã có dịp được thử sức với nhiều vai diễn hay. Dù vừa là ca sĩ, người mẫu kiêm diễn viên, nhưng cô được khán giả và truyền thông biết đến với vai trò là diễn viên trẻ nhiều hơn. Bước qua tuổi U30 nhưng Ngân Khánh vẫn giữ được vóc dáng vạn người mê cùng với gương mặt xinh đẹp, thanh tú. Đây cũng là một điểm cộng tuyệt đối để cô nàng luôn rạng rỡ trước ống kính và tạo dấu ấn đặc biệt trong lòng khán giả. 7. Bảo ThanhDù với vai diễn nào, Bảo Thanh cũng tạo được một nét rất duyên mỗi khi lên sóng. Nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam Bảo Thanh tên thật là Vũ Thị Phương Thanh tại Bắc Giang. Cô nàng đã bén duyên với nghề diễn từ khi còn rất nhỏ. Tới năm 2017, Bảo Thanh tham gia bộ phim truyền hình ăn khách Sống chung với mẹ chồng và nhanh chóng gây được tiếng vang. Giới chuyên môn không chỉ đánh giá cao về tài năng diễn xuất đặc biệt mà còn khen ngợi vẻ ngoài xinh đẹp, ưa nhìn và vô cùng ngọt ngào dù đã là mẹ của hai nhóc kháu khỉnh. Tiếp nối thành công trong lĩnh vực diễn xuất, Bảo Thanh tiếp tục thử sức trong bộ phim Về nhà đi con năm 2019 đã khiến khán giả thấy một Anh Thư thật đanh đá, sắc sảo nhưng cũng rất tình cảm. Nữ diễn viên xinh đẹp đã nhận được rất nhiều giải thưởng cao quý như: VTV Awards - hạng mục Ấn tượng VTV 2019, Asian Artist Awards 2019 hạng mục Nghệ sĩ Việt Nam xuất sắc,... 8. Ninh Dương Lan NgọcNếu nhắc đến nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam thì chắc chắn không thể bỏ qua cái tên Ninh Dương Lan Ngọc. Nữ diễn viên hạng A tham gia nhiều show truyền hình thực tế và bộ phim ăn khách đã lọt vào “mắt xanh” của nhiều đạo diễn nổi tiếng. Các tác phẩm mà cô tham gia như: Tấm Cám Chuyện chưa kể Cô ba Sài Gòn, Cua lại vợ bầu, Gái già lắm chiêu 2,... đều mang lại tiếng vang lớn. Tính đến nay, ngọc nữ màn ảnh Việt đã có cho mình một bộ sưu tập các giải thưởng như: Nữ diễn viên chính xuất sắc trong Liên hoan phim Việt Nam, Cánh diều vàng, Đề cử nữ diễn viên phụ xuất sắc trong cánh diều vàng, Giải diễn viên được yêu thích trong Giải Mai Vàng, Đề cử nghệ sĩ có hoạt động nổi bật năm 2019 WeChoice Awards,... 9. Kaity NguyễnNữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam phải kể đến Kaity Nguyễn - cô gái người Mỹ gốc Việt sinh năm 1999. Dù mới hoạt động nghệ thuật ở Việt Nam chưa lâu nhưng Kaity Nguyễn đã nhanh chóng nhận được nhiều thiện cảm của khán giả bởi body nóng bỏng và gương mặt vô cùng dễ thương. Được biết đến với danh xưng hotgirl hát nhép, Kaity Nguyễn đã có dịp được góp mặt trong bộ phim Em chưa 18 và nhanh chóng trở thành hiện tượng mới. Sau thành công của bộ phim này, Kaity Nguyễn tiếp tục thể hiện tài năng trong nhiều bộ phim đình đám khác như Gái già lắm chiêu, Hồn papa da con gái, Tiệc trăng máu,... Kaity Nguyễn đã vinh dự nhận được giải nữ diễn viên xuất sắc nhất trong giải liên hoan phim Việt Nam lần thứ 20. Đây sẽ là bước đệm hoàn hảo để nữ diễn viên xinh đẹp tiếp tục chinh phục những giải thưởng cao hơn trên con đường diễn xuất của mình. 10. Phương OanhBước chân vào con đường nghệ thuật từ khá sớm, Phương Oanh được biết đến là một người mẫu, nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam với nhiều vai diễn ấn tượng. Cô nàng trở thành ngôi sao vụt sáng sau bộ phim Quỳnh búp bê với vai diễn để đời mở ra cơ hội phát triển mới. Mỗi một vai diễn, Phương Oanh đều đầu tư thời gian và được giới chuyên môn đánh giá cao. Phương Oanh sở hữu vẻ ngoài vô cùng ngọt ngào và gương mặt khả ái, cô cũng có lối diễn hết sức thông minh khiến khán giả luôn ấn tượng. Sau Quỳnh búp bê, nữ diễn viên tiếp tục tham gia nhiều bộ phim khác như Hợp đồng hôn nhân, Cô gái nhà người ta, Hương vị tình thân,... 11. Phương Anh ĐàoNgười được mệnh danh là “nàng thơ” của nền điện ảnh Việt Phương Anh đào cũng lọt top nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam. Xuất thân là sinh viên khoa quản trị kinh doanh nhưng cô nàng lại có đam mê trở thành diễn viên và nhận được nhiều thành công trên con đường sự nghiệp diễn xuất. Phương Anh Đào sở hữu vẻ ngoài xinh đẹp, chiếc mũi cao cùng với vóc dáng cao ráo khiến nữ diễn viên luôn trở nên nổi bật trước công chúng. Từ khi tham gia diễn xuất, nàng thơ đã có dịp được góp mặt trong các bộ phim như Chàng vợ của em, Em gái mưa, Nhắm mắt thấy mùa hè, Cha ma, Vô diện sát nhân... Cùng với đó là nhiều MV ca nhạc như Lối nhỏ - Đen Vâu, Bài này chill phết, Ngóc 1, Ngốc 2, Anh Muốn,... 12. Trúc AnhNếu bạn từng xem phim Mắt Biếc được chuyển thể từ truyện cùng tên của đạo diễn Victor Vũ thì chắc chắn sẽ vô cùng ấn tượng bởi vẻ ngoài ngọt ngào cùng đôi mắt biết nói của cô nàng Hà Lan. Và Trúc Anh chính là nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam đảm nhận vai diễn đặc biệt này. Sở hữu vẻ ngoài thanh thoát, dịu dàng với gương mặt nữ tính, dù tuổi còn trẻ nhưng Trúc Anh đã khiến khán giả không khỏi trầm trồ mỗi khi cô nàng lên sóng. Cô nàng cũng chính là minh chứng cho câu nói “tài không đợi tuổi” khi thường xuyên thử sức trong nhiều lĩnh vực khác nhau như người mẫu quảng cáo cho các thương hiệu nổi tiếng. 13. Thu QuỳnhNữ diễn viên Thu Quỳnh là một trong những nhân vật bị “ghét” nhiều nhất màn ảnh Việt bởi cô đã thể hiện xuất sắc mọi vai diễn, từ vai ác như My Sói (Quỳnh búp bê), tới Thu Phương (Ngược chiều nước mắt), Trang (Sống chung với mẹ chồng), Huệ (Về nhà đi con),... Thu Quỳnh là nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam khi từng lọt top 30 cuộc thi Hoa hậu Việt Nam năm 2008. Cô cũng tạo dấu ấn đặc biệt trong lòng khán giả bởi khả năng diễn xuất có chiều sâu và lột tả hết cảm xúc của nhân vật. Trong quá trình hoạt động nghệ thuật, Thu Quỳnh cũng xuất sắc mang về cho mình nhiều giải thưởng danh giá như: Huy chương bạc hội diễn sân khấu kịch Lưu Quang Vũ 2013, Diễn viên nữ xuất sắc tại Liên hoan phim truyền hình toàn quốc lần thứ 39, giải vàng liên hoan sân khấu toàn quốc năm 2018,... 14. Thanh HươngCùng với Thu Quỳnh, Thanh Hương cũng lọt top nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam. Bén duyên với phim điện ảnh từ rất sớm, Thanh Hương đã giành được vai diễn đầu tay khi còn học phổ thông trung học. Sau đó, nữ diễn viên xinh đẹp cũng bắt đầu đón nhận nhiều vai diễn hay khác như Đường lên Điện Biên, Zippo, mù tạt và em, Những cánh hoa trước gió,.. Mặc dù vậy, những vai diễn của cô chưa thực sự nổi bật và ghi dấu ấn trong lòng khán giả. Tới năm 2018, sự nghiệp diễn viên của Thanh Hương bước sang một trang mới khi cô đảm nhận vai diễn Lan Cave trong Quỳnh búp bê cùng với Thu Quỳnh (My Sói) và Phương Oanh (Quỳnh). Bộ phim đã phản ánh thực tế vấn nạn môi giới mại dâm tại Việt Nam, giúp mọi người nhìn nhận thẳng thắn hơn về những tệ nạn xã hội hiện nay. 15. Vân TrangVân Trang là một trong số những diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam khi sở hữu một khuôn mặt phúc hậu cùng với vóc dáng nuột nà. Dù ở độ tuổi nào, Vân Trang cũng luôn giữ được nhan sắc mặn mà. Không chỉ thực hiện tốt vai trò diễn viên, cô còn lấn sân sang nhiều lĩnh vực khác nhau như: người mẫu, nhà sản xuất, MC, diễn viên kịch, ca sĩ,.... Nhưng dù là ở vị trí nào, nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam này cũng vẫn giữ được hình ảnh rất chuyên nghiệp và duyên dáng. Vân Trang được biết đến với vai diễn ấn tượng trong hàng loạt các bộ phim như Gia đình phép thuật, Cô dâu đại chiến, Thiên mệnh anh hùng, Scandal: Bí mật thảm đỏ, Chàng vợ của em, Hồn papa da con gái,... 16. Quỳnh Nga“Cá sấu chúa” Quỳnh Nga là tên gọi thân mật của nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam. Quỳnh Nga sở hữu gương mặt khả ái cùng với body nóng bỏng cùng với tài năng diễn xuất siêu đỉnh đã khiến cô nhanh chóng trở thành gương mặt quen thuộc trên truyền hình. Quỳnh Nga trở nên nổi tiếng sau bộ phim truyền hình Lập trình cho trái tim, Nhật ký vàng anh, Cao hơn bầu trời,... Khi đang trên đỉnh cao của sự nghiệp, Quỳnh Nga bỗng thông báo với giới truyền thông về việc kết hôn và lui về chăm sóc cuộc sống gia đình. Mãi tới năm 2019, cô mới quay lại với vai diễn Nhã (Về nhà đi con), Quỳnh Trinh (Sinh tử),... Ngoài ra, nữ diễn viên xinh đẹp cũng được biết đến là một tiktoker chuyên nghiệp với những bài nhảy ấn tượng, MC và ca sĩ. Dù ở vai diễn nào, Quỳnh Nga cũng thể hiện rất tròn vai và được rất nhiều khán giả yêu thích 17. Minh HằngMinh Hằng được biết đến là một nữ ca sĩ kiêm diễn viên điện ảnh nổi tiếng. Bén duyên với nghệ thuật từ năm 16 tuổi với vai trò là ca sĩ, cô đã nhanh chóng nhận được sự ủng hộ của đông đảo khán giả. Sau đó không lâu, cô tiếp tục lấn sân sang lĩnh vực diễn viên với các vai diễn trong phim Mộng phù du, Ngã rẽ cuộc đời, Gió thiên đường,... Tuy nhiên tới năm 2007, sau bộ phim Gọi giấc mơ về thì tên tuổi của cô mới thực sự tỏa sáng. Minh Hằng được công chúng mến mộ bởi gương mặt ăn ảnh, biết thể hiện cảm xúc nhân vật và vóc dáng thon gọn. Mới đây, cô cùng với Bảo Anh, Diệu Nhi cùng hợp tác trong bộ phim Bẫy ngọt ngào sắp ra mắt trên rạp. Bộ phim này hứa hẹn sẽ mang đến nhiều cảm xúc cho khán giả, hãy cùng đón xem nhé. 18. Đỗ Khánh VânThêm một nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam hứa hẹn sẽ là mưa làm gió trên sóng truyền hình trong tương lai gần chính là Đỗ Khánh Vân. Sinh ra và lớn lên ở Đắk Lắk, Khánh Vân mới bước vào con đường diễn xuất được ít lâu nhưng đã tạo được dấu ấn đặc biệt trong lòng khán giả với vai Trà Long (Mắt biếc) và Show truyền hình thực tế Sao Nhập Ngũ. Nữ diễn viên là một hotgirl có tiếng sở hữu lượng fan hâm mộ hùng hậu có gương mặt bầu bĩnh, hai má lúm cực duyên. Chỉ với 1 nụ cười của cô cũng đủ chiếm trọn trái tim của bao nhiêu chàng trai đang thổn thức. Trước khi tới Mắt biếc, Khánh Vân cũng tham gia khá nhiều bộ phim như Sửu Nhi, Biệt đội Bitu, Ô Kê Viện,... Cô thu hút khán giả bằng lối diễn vô cùng hồn nhiên, chân thật và gương mặt xinh xắn. 19. Ngô Thanh VânĐược mệnh danh là “chị cả” trong làng điện ảnh Việt Nam, Ngô Thanh Vân vừa là người mẫu, diễn viên được công chúng biết đến. Từng tham gia cuộc thi Hoa hậu Việt Nam qua ảnh và giành vị trí Á hậu 2, Ngô Thanh Vân sở hữu vóc dáng cao, ngoại hình thanh mảnh cùng với gương mặt cân đối. Cô tham gia nhiều lĩnh vực, tuy nhiên điện ảnh là mảng thành công nhất. Năm 2007, Ngô Thanh Vân là nữ diễn viên xuất sắc nhất lại liên hoan phim Việt Nam lần thứ 15, đề cử nữ diễn viên chính xuất sắc nhất, đạo diễn xuất sắc nhất mảng phim điện ảnh,... Ngoài giữ vai trò là diễn viên, “đả nữ” này còn là một người mẫu, đạo diễn, nhà sản xuất phim kiêm doanh nhân, ca sĩ. 20. Đinh Ngọc DiệpNằm trong top 20 nữ diễn viên xinh đẹp nhất Việt Nam là Đinh Ngọc Diệp - cô gái đa tài và là vị hôn thê của đạo diễn Victor Vũ. Ngọc Diệp là một diễn viên, người mẫu, nhà tạo mẫu, MC và nhà báo của nhiều chương trình lớn tại Việt Nam. Bước chân vào nghề khi còn khá trẻ, Đinh Ngọc Diệp đã tham gia khá nhiều bộ phim và tạo được tiếng vang như Chuyện tình xa xứ, Bóng ma học đường, Cô dâu đại chiến, Giữa hai thế giới, Lệnh xóa sổ,... Dù xuất thân trong gia đình có truyền thống làm nghề giáo và biên tập viên nhưng ngay từ nhỏ Đinh Ngọc Diệp đã sở hữu nhan sắc xuất chúng, vẻ ngoài ngọt ngào cùng với thân hình thon gọn. Cố có tuổi thơ khó nhọc khi phải bôn ba sống bằng nhiều nghề khác nhau trước khi bước tới lĩnh vực thời trang và phim truyền hình. Hi vọng rằng với top 20 mà Coolmate giới thiệu ở trên, các bạn đã được giải đáp phần nào thắc mắc ai là nữ diễn viên có nhan sắc nhất nhì giới điện ảnh. Hãy cho chúng mình biết ý kiến của bạn bằng cách bình luận ở dưới nhé. "Coolmate - Nơi mua sắm đáng tin cậy dành cho nam giới!" Anime, mặc dù là một trong những tài sản văn hóa phổ biến nhất hiện nay của thế kỷ 21, nhưng đặc biệt khó xác định, đã nợ hơn một thế kỷ của sự tiến hóa và tái tạo trung bình. Từ quần short năm phút của Oten Shimokawa vào năm 1917, cho đến các hoạt hình dài được sản xuất trong Thế chiến II, đến các chu kỳ sản xuất tiên phong của Tezuka trong những năm 60 và sự đổi mới của Auteurist của Miyazaki và nhiều người khác đối với phần sau Một nửa của thế kỷ trước. Anime đã biến đổi thông qua vô số giai đoạn từ những nỗ lực nghiệp dư, đến thức ăn gia súc tuyên truyền dân tộc, đến xuất khẩu văn hóa thích hợp đã biến hiện tượng toàn cầu cuối cùng, việc lặp đi lặp lại phù hợp với hình dạng của thời đại nó được sản xuất. Truyền hình đã mở rộng phương tiện trong những năm 1960, việc sinh ra nhiều thể loại và thể loại thiết yếu mà chúng ta biết ngày nay và hình thành động lực cho ngành công nghiệp anime mối quan hệ không thể tách rời với quảng cáo và bán hàng từ những năm 1970 trở đi. Sự xuất hiện của video gia đình đã đưa anime đến đỉnh cao thương mại và thẩm mỹ của nó, cuồng nhiệt từ quốc đảo Nippon đến bờ biển phía xa của Bắc Mỹ và trở lại, trước khi một lần nữa được cách mạng bởi khả năng tiếp cận chưa từng có của thế giới trên toàn thế giới và sớm Aughts. Phim anime nợ nhiều phương tiện sản xuất và phân phối phát triển trong suốt thế kỷ 20, chiều rộng và sự táo bạo của việc mở rộng nội dung và hợp đồng của trung bình cùng với thời gian hoạt động để phục vụ cho các bảng màu mới nổi của khán giả cả mới và cũ, ở nhà và ở nhà và nước ngoài. Nhưng nơi người ta bắt đầu giải quyết tiền lệ thẩm mỹ và lịch sử mà bộ phim anime đã để lại cho văn hóa nhạc pop và giải trí toàn cầu trong thế kỷ trước? Danh sách các bộ phim anime hàng đầu này là một nỗ lực để thực hiện điều đó: để tạo ra một phần của một trăm bộ phim có ảnh hưởng và thiết yếu nhất mà hoạt hình Nhật Bản đã tạo ra một sự suy sụp thẩm mỹ, kỹ thuật và lịch sử kỹ thuật về lý do tại sao những bộ phim này quan trọng. Cuối cùng, Paste tự hào tranh thủ tài năng giám tuyển của Jason DeMarco, giám đốc sáng tạo trên không . Với sự phát triển được chia sẻ giữa phim anime và truyền hình và ý nghĩa đã nói ở trên của cuộc cách mạng video gia đình, danh sách này không chỉ bao gồm các tính năng truyền thống mà còn cả hoạt hình video gốc (OVA) được thực hiện cho các bộ phim về video và tuyển tập tại nhà với quy định của mỗi mục nhập tại Một số điểm được công chiếu tại rạp. Chúng tôi hy vọng rằng trong việc quản lý danh sách này, chúng tôi đã tạo ra một điểm nhập cảnh cho cả chuyên gia và giáo dân, Otaku và Neophyte, để theo dõi lịch sử phong phú và đa dạng về sự tiến hóa của anime trên cả văn hóa phim và phổ biến, và cung cấp cho người mới đến Một hướng dẫn toàn diện thông qua đó để tìm hiểu, khám phá lại, khám phá và tranh luận về tiềm năng đầy đủ mà thể loại hoạt hình Nhật Bản phải cung cấp ngay bây giờ và trong tương lai. 100. Cậu bé và con thú (2015)
Mamoru Hosoda được vô địch như một trong những đạo diễn anime vĩ đại nhất làm việc hiện nay. Danh tiếng đó được nợ một phần không nhỏ đối với anh ta được quảng cáo là người thừa kế rõ ràng đối với di sản điện ảnh của Hayao Miyazaki, người đã chính thức nghỉ hưu sau khi phát hành bộ phim cuối cùng The Wind Rises vào năm 2013. Trong số một số bộ phim của Hosoda đã tìm cách khắc phục cùng một tầng lớp thành tích điện ảnh và sự bảo trợ kinh điển tiêu biểu cho sự nghiệp lưu trữ của phòng thu Ghibli. Đó là trường hợp với cậu bé và con thú. Câu chuyện kể về Ren, một cậu bé mồ côi, sau khi vấp ngã qua một lối đi theo phong cách Alice in Wonderland vào một thế giới của các sinh vật thần thoại Quái thú. Tất cả các thành phần bề mặt của một bộ phim tuyệt vời đều ở đó, với hoạt hình sắc nét tuyệt vời, các cảnh chiến đấu tích điện và sử dụng hình ảnh đồ họa máy tính trang nhã để làm nổi bật các trình tự này. Tuy nhiên, Boy and the Beast bị cản trở bởi sự phụ thuộc quá mức vào việc hỗ trợ các nhân vật thuật lại các vòng cung cảm xúc của các nhân vật chính thay vì để họ tự nói, và một sự hiểu biết yếu về cấu trúc câu chuyện và động lực nhân vật được minh họa bởi một nửa giữa một giờ. Bất chấp những thiếu sót này, The Boy and the Beast vẫn là một bộ phim thú vị và ấn tượng trực quan để xem tất cả các khả năng và sự nuông chiều của Hosoda, với tư cách là một đạo diễn được trưng bày, tốt hơn hoặc xấu hơn. 99. Mobile Suit Gundam F-91 (1991)
Set 30 years after the events of Char’s Counterattack, Mobile Suit Gundam F-91 is a strange anomaly in the Gundam universe, yet not an unwelcome one. The story happened because Yoshiyuki Tomino had decided to begin a new Gundam story set a full generation after the hard-won peace achieved at the end of Char and Amaro’s final battle. Originally set up as a series, Tomino recruited a “greatest hits” of his former collaborators for the project, including Yoshikazu Yasuhiko and Kunio Ookawara. It’s unclear exactly why, but somewhere in the early stages of the production, internal conflicts resulted in the series being shelved. Not wanting to abandon the project (approximately 13 episode scripts had been written), Tomino decided to condense the story he had been developing into a movie. The result, Mobile Suit Gundam F-91, is a messy but very worthy entry in the Gundam canon. The story revolves around an attack by a separatist group, the Crossbone Vanguard, against the unsuspecting earth colonies after years of peace. Amaro analogue Seabrook Arno and his Gundam, F-91, are the heroes around which the plot revolves. Of particular note here are the sleek Gundam designs—Tomino wanted much smaller Gundams for this entry that felt more like “Mobile suits” and less like giant robots—and some of the most brutal fight sequences in any Gundam project. Starting off like most Gundam tales, with clean divisions between factions and a clear focus on key characters on either side of the conflict, things get messy by the third act, coming to a somewhat clumsy and unearned happy ending. Yet like most of Tomino’s other work, the action sequences are thrilling, the characters are vibrant, and the Mobile Suits are … well … mobile. Mobile Suit Gundam is a somewhat underappreciated stab at a reboot, but one that’s worth checking out and one that doesn’t require any foreknowledge of the Universal Century timeline to enjoy. Suit up. —Jason DeMarco 98. On-Gaku: Our Sound (2021)
Being a teenager in a suburban town can be excruciatingly boring. With no variety in routine, everything feels useless. But then, sometimes, something appears that banishes that monotony and breathes excitement into an otherwise dull existence. That discovery can be revelatory; life can suddenly have purpose. In the case of the trio of delinquents in Kenji Iwaisawa’s incredible debut feature, On-Gaku: Our Sound, they discover the catharsis and power of music. On-Gaku: Our Sound is writer/director Iwaisawa’s love letter both to the power of music and to the manga of the same name by Hiroyuki Ohashi. As the DIY-feeling film progresses through its musical numbers, Iwaisawa experiments with form (like expressive rotoscoping) as certain songs evoke different emotions from his characters, whether it is a kindly folk song or a primitive-feeling rocker that reverberates in a listener’s chest. In contrast to the visual style, the phenomenal deadpan comedic delivery is reminiscent of American animated comedies of the ‘90s like Beavis and Butthead or King of the Hill. Kenji in particular embodies that tone, through both line delivery by Japanese rock legend Shintarô Sakamoto and a design that includes an unrelenting stare, thin mustache that zigzags across his upper lip and shiny, bald head. Despite being a high school student, Sakamoto’s grizzled voice gives Kenji the vibe of a tired old man who has seen everything, when really he’s just a bored teenager who smokes too many cigarettes and watches too much TV. Iwaisawa’s own passion fills the chilled-out slacker comedy with a lot of heart and a gorgeous variety of animation styles.—Mary Beth McAndrews 97. Ah! My Goddess: The Movie (2000)
A sequel to a five-part OVA from 1993, based on a popular manga, Ah! My Goddess: The Movie is the very rare example of a film based on an existing anime/manga franchise that’s superior to the original source material. A self-contained story revolving around college student Morisato Keiichi and the Goddess Belldandy, the film finds ways to inject more drama and urgency into the typically light-hearted romance of the original story, while the longer run time allows more room for character development and deepened motivations for all of the main cast members. Putting Belldandy at the center of a plot to hack the Yggdrasil computer in the heavens (long story) and forcing Keiichi to grapple with what Belldandy has come to mean to him places the romance and sweetness that was always the heart of this series in the foreground. The animation quality is very high, with some well integrated CGI allowing Fujishima’s wilder concepts to finally reach fruition in a way the more limited OVA budget couldn’t. Ah! My Goddess: The Movie was well-received by both critics and audiences, and spawned two later TV series that were similarly well regarded. In the wake of today’s popular fantasy seinen/shonen titles, Ah! My Goddess now feels somewhat ahead of its time. Either way, this sweet, fun romance is worth checking out. —J.D. 96. Dallos (1983)
Trong số nhiều bộ phim mà Mamoru Oshii đã đạo diễn, Dallos không thể tin được điều tồi tệ nhất của anh. Với một âm mưu opera không gian phụ được các nhà sử học anime như Helen McCarthy và Jonathan Clements mô tả là một sự lột xác không đáng kể của The Moon của Robert Heinlein là một tình nhân khắc nghiệt và phong cách hoạt hình chỉ có thể được mô tả là ngân sách thấp, Cho thấy rất ít cho thấy dấu ấn của đạo diễn, người sau này được biết đến với những người như Patlabor 2 và Ghost in the Shell, có một lý do tại sao Dallos chiếm những góc tối nhất không rõ của Oshii's Oeuvre. Vậy tại sao nó lại có trong danh sách này? Bởi vì mặc dù sản xuất mờ nhạt tổng thể của nó, chất lượng đó là tất cả nhưng bị lu mờ bởi tầm quan trọng của ý nghĩa lịch sử của nó. Nói một cách đơn giản, Dallos là bộ phim hoạt hình đầu tiên được bán trên thị trường và bán dưới dạng sản xuất video gia đình nhiều phần, giới thiệu một định dạng mới không có giới hạn của hoạt hình sân khấu và truyền hình thông thường và mở ra anime cho phương Tây có thể gọi là hơi ngớ ngẩn Bây giờ vào năm 2016, nhưng nó không phải là tiền lệ của việc phát hành của Dallos, phương tiện mà anime sẽ tìm thấy khán giả quốc tế của mình trong những năm 1980 sẽ không tồn tại. 95. Khi Marnie ở đó (2014)
David Foster Wallace đã từng nói rằng mọi câu chuyện tình yêu là một câu chuyện ma. Anh ta dễ dàng có thể đã mô tả tinh thần của khi Marnie ở đó, bộ phim thứ hai do Hiromasa Yonebayashi và sản phẩm Ghibli cuối cùng đạo diễn trước hiatus của hãng phim sau Hayao Miyazaki và Isao Takahata đã nghỉ hưu năm 2013. Melancholic hướng nội với sự ngờ vực sâu sắc của cả hai và bản thân. Sau khi ngã gục ở trường từ một cơn hen suyễn, cha mẹ nuôi Anna, gửi cô ở lại với dì và chú của cô tại nhà bên bờ biển nông thôn bình dị của họ, cô gái hất Kushiro để giúp đỡ tình trạng của cô. Ở đó, cô gặp Marnie, một cô gái trẻ bí ẩn có tình bạn giúp Anna phát triển và cởi mở và câu chuyện rắc rối trên thực tế có thể được liên kết chặt chẽ với chính Anna. Mặc dù kết luận mặc khải của nó bị kết thúc với các chi tiết có thể được thực hiện tốt hơn dọc theo bộ phim Bí ẩn thịnh hành, khi Marnie có một sự miêu tả về mặt cảm xúc về tình bạn nữ dọc theo một cách kiên nhẫn như một chuyến đi thuyền yên tĩnh băng qua hồ Moonlit. 94. Một con chó của Flanders (1997)
Tác phẩm tốt nhất của Yoshio Kuroda, có lẽ chỉ đứng thứ hai sau khi mộ của những con đom đóm là một trong những anime buồn nhất từng được tạo ra. Dựa trên cuốn tiểu thuyết cùng tên của Flemish, một con chó của Flanders là câu chuyện về một cậu bé, Nello, và chú chó của anh ta, Pastrache. Câu chuyện lấy bối cảnh ở Bỉ, và có bản chất, chủ yếu là liên quan đến Nello, đấu tranh để vượt lên trên sự nghèo đói mà anh ta sinh ra, và cuộc đàn áp của anh ta bởi một thành viên tầng lớp thượng lưu trong làng của anh ta, người đã buộc tội Nello về một tội ác khủng khiếp. Bộ phim cuối cùng là một thảm kịch lớp học đơn giản, nhưng vẫn là một câu chuyện hấp dẫn đã đứng trước thử thách của thời gian. Để điều chỉnh tính năng từ bộ phim truyền hình cùng tên của mình, Kuroda chủ yếu kiềm chế bản thân không đi quá Dành thời gian của họ để mở ra. Bản phát hành của Mỹ, từ Pioneer, có một bản lồng tiếng xuất sắc cho thời gian, nhưng đã loại bỏ 10 phút kể chuyện với một số chỉnh sửa rất khó khăn, vì vậy phiên bản phụ đề là thích hợp hơn. Don Tiết mong đợi một kết thúc có hậu, đây là một tác phẩm kinh điển ba người. TIẾNG VIỆC.D. 93. Nhà giả kim Fullmetal Phim: Người chinh phục Shamballa (2005)
Nhà giả kim Fullmetal của Hiromu Arakawa là một trong những bộ truyện tranh và anime thành công nhất của những năm đầu thập niên 2000. Ra mắt vào năm 2001 và sinh ra hai bản chuyển thể truyền hình kéo dài, Nhà giả kim Fullmetal theo cuộc phiêu lưu của Edward và Alphonse Elric, hai chàng trai trẻ tài năng phi thường có chân tay và cơ thể tương ứng được đưa ra từ họ trong một tai nạn giả kim. Trở thành các nhà giả kim được chỉ định bởi nhà nước, họ tìm kiếm nhà triết học huyền thoại, như một phương tiện để khôi phục cơ thể của họ về trạng thái ban đầu của họ. Người chinh phục Shamballa nhận được từ kết luận của loạt anime năm 2003, với cơ thể Alphonse, được khôi phục hoàn toàn mặc dù trí nhớ của anh đã bị xóa và Edward bị mắc kẹt ở phía bên kia của một cổng thông tin dẫn đến một thế giới kỳ lạ nhưng quen thuộc trên đỉnh cao của một cuộc chiến tranh thế giới. Với một câu chuyện lịch sử thay thế hấp dẫn, xen kẽ các nhân vật quan trọng như Karl Haushofer và Fritz Lang và các sự kiện như Hội trường bia khét tiếng năm 1923, cũng như một loạt các cảnh chiến đấu cuối cùng phá hoại ấn tượng được kể lại bởi Yutaka Nakamura, người điều khiển Shamballa thỏa mãn nếu irresolute capstone cho anime gốc và xa và xa bộ phim giả kim Fullmetal hay nhất cho đến nay. 92. The Restaurant of Many Orders (1991)
The Restaurant of Many Orders is remarkably unique compared to nearly every other film of its era that has gone on to shape the aesthetic template of Japanese animation. Created in 1990 by Tadanari Okamoto, who in the ’70s and ’80s established himself as one of Japan’s preeminent animators, the film was originally conceived as a warm up in preparation for his planned feature debut Hotarumomi. Unfortunately, Okamoto would pass away that year from liver cancer and the film was later finished by his close friend and fellow animator Kihachiro Kawamoto. Based on the short story of the same name by the much-adapted poet and children’s author Kenji Miyazawa, The Restaurant of Many Orders is story of two hunters who happen upon a mysterious inn deep in a secluded forest while stalking wild game. The two enter thinking that they’ll be treated to a decent meal and warm place to rest, only to later discover that this restaurant is anything but what it appears to be. Okamoto’s charcoal copper-plate aesthetic is the film’s most distinctive trait, emulating the artistry of veteran animator Reiko Okuyama and achieved through the use of acrylic gouache paint to render the foreground and background of each cell inseparable from one another. Winner of the prestigious Noburo Ofuji Award for Excellence and Innovation, The Restaurant of Many Orders is a beautiful parting gift from one of the most undersung innovators of Japanese animation. 91. Golgo 13 The Professional (1983)
Directed by Osamu Dezaki, known as the innovator who created the now common “Postcard Memories” technique, Golgo 13: The Professional is both a remarkable time capsule of ’80s grimy crime fiction, and true to the manga from which it is drawn. Golgo, the titular assassin, is basically an evil character who exemplifies alpha male toughness to a ridiculous degree. He is, above all, a Professional. Think Lee Marvin in Point Blank, or Charles Bronson in The Mechanic, or Steve McQueen in … well, anything. Where Golgo charms is in the glorious, fluid animation, the sophisticated cinematic techniques used by Dezaki (including very early usage of CGI), and the tense and incredibly violent action sequences. Filled with gratuitous nudity, violence and rape, this unrated film is not for the faint of heart. Yet Golgo 13: The Professional presents a quintessential example of the Japanese alpha male character, and somehow we root for him, even as we know he’s nothing more than a killer. —J.D. 90. Vampire Hunter D: Bloodlust (2000)
The follow-up to Toyoo Ashida’s 1985 classic, Vampire Hunter D: Bloodlust is lauded for its comparatively higher production values and exquisitely rendered set pieces courtesy of Yuji Ikehata and Madhouse’s host of talented in-house background artists. A loose adaptation of Demon Deathchase, the third installment in Hideyuki Kikuchi’s long-running Vampire Hunter D visual novel series, Bloodlust follows the titular half-human vampire hunter as he is hired to rescue the daughter of a wealthy benefactor after she’s abducted by Baron Meier Link, a powerful vampiric nobleman with shadowy intentions. The film comes across as a retread of sorts for Kawajiri, doing little to differentiate itself from the journeyman premise of his work on Ninja Scroll or to build on the mythology of Ashida’s original aside from emphasizing the series’ gothic western sci-fi aesthetic. Still, with character designs by series illustrator Yoshitaka Amano of Final Fantasy fame and a number of visually memorable and impressive settings and showdowns, Vampire Hunter D: Bloodlust is a visually exhilarating action film that seldom fails to satisfy on a moment-to-moment level. 89. Short Peace (2013)
A multimedia project consisting of four animated shorts plus one videogame, each representing a different period in Japan’s history, Short Peace is a delightful grab bag. With Otomo at the helm guiding the project, and providing one of the shorts, this project pulled together a ton of talent, all in the service of some gorgeous animated short films. The unifying concept barely hangs together, but each of the tales are so singular and stunningly rendered, this is a minor concern. The most singular of the bunch is “Possessions,” was nominated for an Oscar, and it’s easy to see why. The visual technique and seamless rendering of CG/2D animation is absolutely captivating. Otomo’s own contribution, “A Farewell to Weapons,” based on his manga, is the other centerpiece and closes out the collection. It remains true to many of Otomo’s extant themes—mainly, the effects of technology on humanity, and the inability of man to escape his patterns of tribal violence and conquest. The designs are incredibly detailed and well-thought out, like all of Otomo’s work, and the animation is of course hyper realistic. Overall, Short Peace is an excellent modern entry in the hallowed tradition of great collections of anime short films, even if the feast it provides is a bit more for the eyes than the brain. —J.D. 88. Momotaro: Umi no shinpei (1945)
Rất lâu trước khi Tezuka Osamu đặt nền tảng cho thẩm mỹ đặc trưng đằng sau anime và sự trưởng thành về phong cách của trung bình vào giữa những năm 80 đối diện với sự xuất hiện văn hóa toàn cầu, nguồn gốc của hoạt hình hiện đại của Nhật Bản được sinh ra từ đó Có nguồn gốc từ đầu thế kỷ 20: khi các bộ phim tuyên truyền được tạo ra để giành được trái tim và tâm trí và thúc đẩy giới trẻ của quốc gia tương ứng của họ cầm vũ khí và chiến đấu, lúc đó được cho là, cuộc chiến tốt. Momotaro: Umi no shinpei, được khán giả phương Tây gọi là các chiến binh biển thần thánh Momotaro, tổ chức sự khác biệt là bộ phim hoạt hình dài đầu tiên được sản xuất tại Nhật Bản. Được tin rằng đã mất trong nhiều thập kỷ trước khi được khám phá lại vào năm 1984, Momotaro là một touchstone vô giá trong lịch sử hoạt hình Nhật Bản, đưa người xem trở lại thời kỳ đáng kinh ngạc và sự nhạy cảm khác nhau. 87. Chiến tranh Venus (1989)
Được chuyển thể từ loạt truyện tranh gốc của Yoshikazu Yasuhiko, năm 1989, Venus Wars là một bộ phim chiến tranh khoa học viễn tưởng ngoạn mục chứa đầy hoạt hình tuyệt vời, chiều sâu đáng ngạc nhiên và nhạc nền Hammy thú vị của Joe Hisaishi. Diễn ra, bạn đoán, hành tinh thứ hai trong hệ mặt trời gần bảy mươi sau một sự kiện khủng bố, Venus Wars theo sau một nhóm các tay đua tự do của Teenage Monobike Đối thủ về phía bắc. Với các thiết kế cơ học lịch sự của Makoto Kobayashi, một cách sử dụng thử nghiệm đáng chú ý của các cảnh quay hành động trực tiếp để mô phỏng địa hình cằn cỗi của Venus và một nhân viên sáng tạo bao gồm một người thực sự là những người của những người trong những năm 1980, bao gồm cả nhà thiết kế nhân vật Toshihiro Kawamoto của Cowboy Bobop Bobop Danh tiếng, Venus Wars là một bộ phim đáng nhớ mang đến một cuộc phiêu lưu khoa học viễn tưởng ở mức độ thị giác nhưng quản lý để trở thành một cuộc thám hiểm chu đáo về ý nghĩa của việc xem nhà của một người đã biến thành một quốc gia cảnh sát trong thời gian chiến tranh. 86. Con mèo trở về (2002)
Một người kế vị tinh thần đối với Yoshifumi Kondo, thì thầm của trái tim, con mèo trở lại là một romp vui tươi kết hợp thương hiệu đặc trưng của Studio Ghibli, về chủ nghĩa hiện thực kỳ diệu thấm nhuần với một viễn cảnh mới mẻ của đạo diễn Hiroyuki Morita. Khi Haru Yoshioka, một nữ sinh nhút nhát và lơ đãng, giải cứu một con mèo bí ẩn khi đang trên đường đi học về, cô nhận ra mình sở hữu khả năng nói chuyện với mèo. Cuộc sống của cô sau đó bị đảo lộn với tư cách là người cha mèo, vua của mèo, thể hiện cô trong những token kỳ quái về lòng biết ơn và ra lệnh cho sự hứa hôn của cô với con trai anh như là phần thưởng cho lòng tốt của cô. Sau đó, cô ấy đã tìm kiếm Cục Mèo huyền thoại để tìm một người có thể cứu cô ấy: Nam tước Humbert Von Gikkingen của quý ông bảnh bao. Định hướng nghệ thuật của Naoya Tanaka và các thiết kế nhân vật Satoko Morikawa, là người thu hút thực sự phân biệt bộ phim và cảm giác, và với một câu chuyện đơn giản nhưng hay thay đổi được xây dựng xung quanh những tính cách đáng yêu và bối cảnh đẹp, con mèo trở lại dễ dàng đảm bảo cùng với Studio Ghibli. 85. Đảo Giovanni (2014)
Một trong những phẩm chất đáng giá nhất của hoạt hình Nhật Bản là sự sẵn sàng mà họ sẵn sàng liên hệ và bối cảnh hóa lịch sử của họ như một quốc gia và là một dân tộc thông qua một phương tiện quá thường xuyên bị coi thường là những người vốn có và trẻ con. Trường hợp tại điểm: Đảo Giovanni. Lấy bối cảnh sau Thế chiến II, bộ phim kể về những câu chuyện của Junpei và Kanta, hai cậu bé có hòn đảo Shikotan trên sân nhà của Shikotan nhanh chóng bị chiếm giữ bởi các lực lượng Đồng minh Liên Xô sau vụ đầu hàng Nhật Bản. Vì thế giới của họ không thể chối bỏ bởi những khó khăn và sự phẫn nộ của thế giới thực, cậu bé nắm bắt một chủ đề hy vọng đơn độc thông qua tình yêu tưởng tượng của họ đối với Kenji Miyazawa Novella Night trên đường sắt Galactic, một cuốn sách mà tên của họ được lấy cảm hứng. Được đạo diễn bởi Mizuho Nishikubo, người từng là đạo diễn hoạt hình đáng kính của Oshii, Patlabor 2, bộ phim chào mời đơn giản mặc dù các thiết kế nhân vật biểu cảm đẹp mắt và các thiết lập năng động có những phác thảo và bóng tối đặc biệt. Các phần giả tưởng của bộ phim rất tuyệt vời như một cái tốt, thể hiện những ám chỉ đến tiểu thuyết Miyazawa, với sự trung thành tưởng tượng hiện đại đến nỗi nó dễ dàng ngồi bên cạnh sự thích nghi của Gisaburo Sugii, điều thú vị năm 1985. Akin to Takahata, mộ của những con đom đóm, đảo Giovanni, là một câu chuyện khẳng định nếu câu chuyện bi thảm về khả năng phục hồi của một gia đình sống qua cuối Thế chiến, nhưng nó cũng là một thứ gì đó của riêng mình. Nó là một câu chuyện về sự kiên trì nội tại của con người để tạo ra các kết nối và tình bạn khi đối mặt với những khác biệt dường như không thể chấp nhận được. Một bộ phim xuất sắc về lịch sử, gia đình, ngôn ngữ và hy vọng. 84. Sweat Punch (2007)
Sweat Punch is a curious beast that’s a bit hard to track down, but worth the effort. Comprising five animated shorts originally released as a part of Grasshoppa! DVD magazine issues, they were then collected into one release titled Deep Imagination. Deep, indeed, would be one way to describe these shorts, which range across the map both in style and subject matter. The first, “Professor Dan Petory’s Blues,” doesn’t really try to make sense, and is content to simply throw all kinds of wild animation techniques in a blender with some songs and jokes, to kaleidoscopic effect. It only gets weirder from there. “The End of The World” is another standout, concerning the life of a young alien girl named Yuko, who meets a friend at a rock concert, then proceed to go back to her home planet and battle with S&M monsters (no, really). A third, confusingly entitled “Comedy” by Studio 4C, is a dark, gothic tale verging on horror that concerns a young girl, a master swordsman, and the Irish War of Independence. Most of these shorts break not only from traditional narrative, but also from traditional anime art style and animation techniques. These are animation in its purest form, the directors and animators involved clearly just enjoying the riot of color and movement they present to the viewer. It’s pointless to try to explain more, really. Sweat Punch must be seen to be believed, and “understanding” it might be beside the point. —J.D. 83. Cowboy Bebop: Knockin’ on Heaven’s Door (2001)
When Cowboy Bebop first premiered in North America on Adult Swim in September of 2001, it was one of the great defining moments of anime securing its cultural foothold in the West. Set in the year 2071, Cowboy Bebop was many things: a sci-fi western noir character drama built around the themes of existentialism, identity and loneliness. But above all else it was a master course in cinematic evocation, channeling the ineffable cool of turn-of-the-century jazz, rock ’n’ roll, and film noir and transforming it into something that was unlike anything that had come before or since. With a script penned by Keiko Nobumoto, a score by the inimitable Yoko Kanno, action scenes framed and choreographed by Yutaka Nakamura, and series’ director Shinichiro Watanabe returning at the helm, Knockin’ on Heaven’s Door is the anime equivalent of a seminal band getting back together for one last farewell tour after ending off on a high-note and a bang. 82. Genius Party (2007)
If you’re looking for a collection of some of the most eccentric, colorful, and unique animated shorts from some of the most preeminent anime directors working today, you can’t go wrong with Genius Party. Released in 2007, the film serves the purpose of what any good anthology should—putting supremely talented animators on a project and allowing them to throw whatever they want at the wall. And that’s what it succeeds as a whole in doing—to varying degrees of individual success, of course. Shoji Kawamori’s “Shanghai Dragon” is a wild free-wheeling take on Super Sentai hero antics, Yoji Fukuyama’s “Doorbell” is a unsettling and confounding psychological thriller, and Shinji Kimura’s “Deathtic 4” is a bizarre 3D-animated short that’s sure to play well for Tim Burton fans on an aesthetic level. The only dud in this collection is Hideki Futamura’s “Limit Cycle,” which, although having one of the most unique art styles of the bunch, meanders in pop-scientific pontification and pretentious navel-gazing. The crowning jewels of the collection however are Masaaki Yuasa’s “Happy Machine” and Shinichiro Watanabe’s “Baby Blue,” which each exemplify the best defining talents of their respective creators. All in all, Genius Party is a stunning collection of shorts produced by one of the most eclectic production studios operating today and should not be missed. 81. Summer Wars (2009)
Summer Wars is pretty much a beat-for-beat remake of Hosoda’s previous work on the second Digimon film, Our War Game, released in 2000. However, when a film is this well-animated and put together, the accusation of unoriginality can be forgiven. Summer Wars is the story of Kenji Koiso, a shy and unassuming math prodigy who works as an admin assistant for OZ, a massive digital network that’s supplanted the internet as the major connective system across the world. When Kenji’s OZ avatar is hijacked by Love Machine, a sentient computer virus hell bent on throwing the entire planet into chaos, it’s up to him and the extended family of his fake girlfriend Natsuki (long story) to band together and go to war. OZ resembles a psychedelic “superflat” dreamscape à la Takashi Murakami thanks to Anri Jojo’s art design, and with impeccable character art by the likes of Gainax veteran Yoshiyuki Sadamoto, Masaru Hamada, and Takashi and Mina Okazaki, Summer Wars is an engrossing big family drama with heart couched inside a candy-coated “Internet of Things” scenario of catastrophic proportions. 80. A Wind Named Amnesia (1990)
On the eve of the 21st century, the collective memory of every living being on Earth was wiped by an inexplicable mass phenomenon, decimating civilization and reducing the human race to roving tribes of scavengers devoid of language, reason or technology. Wataru, a survivor of this worldwide amnesia meets Sophia, a mysterious young woman seemingly unaffected by this worldwide epidemic. The two embark on a journey across the heartland of America in search of answers not only to the question of what caused humanity’s downfall, but what it means to be a human being at all. The film’s animation definitely shows its age in some respects, and when it comes to the thematic ambitions of its subject matter versus its narrative execution its reach more often than not exceeds its grasp, but A Wind Named Amnesia remains a thought-provoking movie and an understated gem in rough of early ’80s animation. Word to the wise: steer clear of the English dub, as it dispels most of the film’s nuance and subtext in lieu of playing it up as a comparatively hollow action adventure. 79. Ponyo (2008)
Of Hayao Miyazaki’s eclectic and universally renowned body of work, Ponyo is arguably his strangest. A modern reinterpretation of Hans Christian Andersen’s 1837 The Little Mermaid, Ponyo couldn’t be further from an attempt to compete, let alone eclipse Disney’s award-winning 1989 adaptation. Instead, Miyazaki eschews anthropomorphic crabs and garish musical numbers in favor of honing in on the love story between a young boy and a girl-fish who yearns to be human. The film’s aesthetic is straight of out of child’s picture books, with thick solid shapes framed by beautiful bright primary colors. It’s a trippy, kid-friendly film that manages to pack in a surprising amount of thematically heady material with regards to environmentalism and the delicate balancing act between humanity and nature. Ponyo certainly is not anywhere near Miyazaki’s best, but it unquestionably stands among the medium’s best. 78. Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone (2007)
If you’re an anime fan and have never watched the original Neon Genesis Evangelion, you are likely no more than three degrees separated from someone who has a passionate opinion about it, effusive or otherwise. What began as a 26-episode television series produced by Gainax and directed by Hideaki Anno quickly morphed into nothing short of a cultural phenomenon within the sphere of anime, thanks in huge part to the show’s unmistakable mecha designs, inspired animation, iconic character designs, and a plot that was equal parts harrowing, esoteric, and uncompromisingly meta. Released as the first installment in Anno’s Rebuild of Evangelion tetralogy, Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone is essentially a shot-for-shot high-definition remake of the first six episodes of the original series, albeit condensed to the length of a standard feature and filled with new designs and animation. Whether you’ve watch the series when it first aired or are curious to see just what all the hubbub is about, Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone is a fantastic introduction to one of the most celebrated and divisive animes of the late 20th century. 77. Into the Forest of Fireflies’ Light (2011)
Based on Yuki Midorikawa’s 2002 manga of the same name, Into the Forest of Fireflies’ Light tells the story of Hotaru, a six-year-old girl who befriends a forest spirit named Gin while vacationing at her grandfather’s home in the mountains. As the years proceed and their friendship deepens, Hotaru and Gin begin to develop feelings for one another. However, their relationship is burdened by the fact that Gin’s body will disappear the moment it comes in contact with the touch of a human being. Into the Forest of Fireflies’ Light is a poignant and wistful story of star-crossed love that cuts to the core of its main characters and relishes its vein of rich emotional depth. A short and impactful film whose beauty and tenderness merits the best of comparisons to the likes of Miyazaki and Shinkai while remaining something wholly its own. 76. Sword of the Stranger (2007)
The feature debut of Masahiro Ando, whose career was distinguished solely by being a episode director and key animator for such series as Wolf’s Rain and Witch Hunter Robin, Sword of the Stranger possesses all the key pieces and players that make up a prototypical, though otherwise satisfying chanbara action film—a nameless ronin who abstains from bloodshed in a quiet bid for atonement, a youth cast at the heart of a fanatical plot, and a ruthless foreign adversary who yearns solely for a worthy opponent to face in battle. What really distinguishes the film apart from its ilk are the sparse yet impressive action sequences choreographed by legendary key animator Yutaka Nakamura, culminating in what is arguably one of the most stunningly animated sword fight showdowns between “No Name” and the European Ming commander Luo-Lang. If you’re looking for a solid samurai action film with sword fights that are a cut above the rest, Sword of the Stranger is that film. 75. Fist of the North Star (1986)
Bạn sẽ khó có thể tìm thấy một anime với bạo lực bắt mắt nhiều hơn so với Fist of the North Star. Bộ phim và loạt phim truyền hình trước đó, cả hai được đạo diễn bởi bộ phim hoạt hình Toyoo Ashida, theo sau sự khai thác của Kenshiro, một võ sĩ siêu năng lực, người đi lang thang trong một tương lai hậu tận thế do một người kỳ quặc bị biến mất bởi một sự bất lực khi anh ta hỗ trợ cho sự bất lực bằng cách điều chỉnh sự bất lực bằng cách điều chỉnh sự tàn phá của Wicked Trên một nhiệm vụ cá nhân để trả thù và trả thù. Hãy nghĩ rằng bộ phim truyền hình võ thuật của David Carradine, Kung Fu, chỉ trên steroid. Để gọi bộ phim, siêu bạo lực là một cách nói nhẹ nhàng. Được sản xuất vào năm 1986, Fist of the North Star kiếm được vinh dự đáng ngờ là cực đoan đến nỗi bản phát hành gốc của Nhật Bản phải được kiểm duyệt rất nhiều với các tác phẩm chiến lược và hiệu ứng biến dạng ảo giác. Tuổi của nó chắc chắn cho thấy thông qua sự thô lỗ có phần của hoạt hình và cốt truyện mỏng manh giấy của nó, nhưng điều mà người ta có thể tự tin ca ngợi Fist of the North Star nhất là sự tự nhận thức và sự chân thành của nó khi biết chính xác nó là gì và là gì gắn bó với nó. Một bộ phim hành động vui nhộn không thể tin được, mang đến cho máy móc vượt trội của Schwarzenegger và Van Damme trong thời kỳ đỉnh cao của họ. 74. Thành phố độc ác (1987)
Lấy bối cảnh trong một thế giới đương đại, nơi loài người chia sẻ một hiệp ước bí mật với một cõi ẩn giấu đầy quỷ, thành phố độc ác theo câu chuyện về Renzaburo Taki, một đặc vụ của tổ chức bảo vệ đen mạnh mẽ của người bảo vệ đen tối dành cho việc thực thi hòa bình và cân bằng giữa hai thế giới. Vào đêm trước của sự đổi mới của hiệp ước, Taki và đối tác mới được giao của anh ta khỏi thế giới quỷ được chỉ định để bảo vệ Giuseppi Mayart, một VIP đáng sợ mà sự hiện diện của họ là quan trọng để môi giới hòa bình từ một giáo phái của Demon Renegades . Sự hợp tác đầu tiên giữa Yoshiaki Kawajiri và Hideyuki Kikuchi, cái gọi là King Stephen của Nhật Bản nổi tiếng hơn với loạt phim ma cà rồng D Không dành cho trẻ em. Sự tinh tế đặc trưng của Kawajiri cho hành động kinh dị và cách điệu của Lovecraftian được hiển thị đầy đủ ở đây, các yếu tố sẽ được khám phá thêm ở Demon City Shinjuku và sau đó được tinh chỉnh thông qua công việc xác định sự nghiệp của anh ấy trên các bộ phim như Ninja Scroll và Vampire Hunter D: Bloodlust. 73. đầy màu sắc (2010)
Bộ phim Keiichi Hara, 2010 đầy màu sắc là một khuôn mặt khắc nghiệt và đẹp mắt khi so sánh với đạo diễn trước đây với tư cách là một nhà làm phim hoạt hình cho các chương trình như Doraemon và Crayon Shin-Chan. Được chuyển thể từ cuốn tiểu thuyết cùng tên của Eto Mori, năm 2007, bộ phim kể câu chuyện về một linh hồn bướng bỉnh, sau khi đến nơi ở thế giới bên kia, được ban tặng cơ hội để lấy lại cuộc sống bằng cách tái sinh trong cơ thể của một nạn nhân tự tử. Được đặt trong cơ thể của học sinh cấp hai Makoto Kobayashi, linh hồn được cấp sáu tháng để giải quyết bí ẩn về cái chết của chính nó và khi làm như vậy để khám phá lại giá trị nội tại của chính cuộc sống. Đầy màu sắc, bất chấp tên tuổi của nó, là một bộ phim giải quyết các chủ đề nặng nề như áp lực xã hội để thành công và tuân thủ, ngoại tình, trầm cảm và tự tử, mặc dù có một giai điệu cuối cùng khẳng định cuộc sống. Taut với sự căng thẳng cảm xúc và sắc thái hiện sinh, đầy màu sắc là một bộ phim thưởng cho mức độ thị giác và cảm xúc. 72. Trứng thiên thần (1985)
Trứng Angel Angel không chỉ không giống với bất cứ điều gì Mamoru Oshii từng làm với tư cách là một đạo diễn, mà nó có thể không giống bất cứ điều gì khác trong giai đoạn anime, thời kỳ. Được tạo ra trong giai đoạn sự nghiệp của Oshii, sau khi anh rời Studio Pierrot, Angel Angel Egg không phải là một câu chuyện kể vì nó là một điều kỳ lạ về hình ảnh gothic và sự tỉnh táo theo chủ đề thấm qua màn hình như một bức tranh sống trong suốt 70 phút. Thay vì đưa ra một tiền đề cụ thể được đưa ra thông qua các câu chuyện và những tiết lộ, bản thân bộ phim khám phá câu hỏi tại sao chúng ta tìm kiếm ý nghĩa trong bất cứ điều gì ở nơi đầu tiên, một sự thiền trực quan về cách thực tế và ý tưởng của chúng ta về thực tế được định hình thông qua những gì chúng ta chọn tin vào. Bộ phim đề cập đến câu hỏi liệu có bất cứ điều gì tồn tại không, về việc liệu những ý tưởng về quá khứ có ám ảnh ý thức tập thể của nhân loại có thể tự thống nhất . Đây là những chủ đề mà Oshii sẽ tiếp tục khám phá thêm, đặc biệt là thông qua công việc của anh ta về Ghost in the Shell, nhưng không nơi nào ở mức độ trừu tượng này. Trứng Angel, cung cấp rất nhiều chỗ cho việc giải thích và sắc thái, nhưng điều mà không thể nhầm lẫn là thế này: Đó là một bộ phim anime phải xem mà không có hai người xem sẽ xem hoặc giải thích khá giống nhau. 71. A Letter to Momo (2011)
Hiroyuki Okiura’s sophomore effort is quite the departure from the paramilitary fatalism of his 1999 debut Jin-Roh: The Wolf Brigade. After the tragic passing of her father, 11-year-old Momo Miyaura and her mother Ikuko move from Tokyo to the family home on Seto Island to start over. While adjusting to her new life, Momo discovers an unfinished letter addressed to her by her late father, along with a mischievous trio of Yokai spirits who follow her around constantly. Impeccably animated with character designs by Masashi Ando brought to life through Okiura’s signature talent for realism, A Letter to Momo is a profoundly touching all-ages film that manages to fit in a couple of choice yet memorable moments of hilarity opposite its core dramatic story. Special credit should be paid to Dana Snyder’s comedic performance as Kawa, as well as Kazuhiro Wakabayashi’s masterful sound direction. Over seven years in the making, A Letter to Momo is testament to not only Okiura’s dogged creative persistence, but also his considerable talents as an animator and director. 70. Gyo: Tokyo Fish Attack (2012)
Junji Ito is one of the most celebrated names in contemporary Japanese horror fiction, easily warranting mention along the likes of Shintaro Kago and Kazuo Umezu. With award-winning manga shorts such as “The Enigma of Amigara Fault” and “Uzumaki,” Ito broke through as an unmistakable luminary of Japanese horror and established himself as a recognizable name both at home and in the West. Gyo, arguably his most famous work, revolves around a young couple who are assaulted by a horde of homicidal fish monsters with mechanical spider legs. Takayuki Hirao’s film is a serviceable adaptation of Ito’s original, albeit with a few controversial directorial decisions such as switching the manga’s protagonists which establish the movie as a work on its own. Ultimately Gyo: Tokyo Fish Attack is an effective horror film if questionable adaptation, with interesting characters, bizarre twists, and choice sequences that pay direct homage to Ito’s inimitable art style. 69. Patlabor: The Movie (1989)
Mamoru Oshii’s work on the anime series Patlabor and its subsequent feature film are considered by many, including the director himself, as the turning point in his career. After leaving Studio Pierott and striking out on his own as a freelancer on a few projects, Oshii would join the independent creative collective Headgear and become a major influence in shaping the aesthetic of their first project, Mobile Police Patlabor. Although Patlabor: The Movie can be described as a pure pop entertainment film, it still manages to incorporate the elements of history, politics and religion that define Oshii’s signature as a director. With a solid mix of action, mystery, and not-so-subtle post-WII era commentary, the first Patlabor film is not only an essential installment in Oshii’s filmography but in the canon of anime history. 68. The Tale of Princess Kaguya (2013)
Isao Takahata’s final film, The Tale of Princess Kaguya, also happens to be his first in over 14 years. When Takahata’s previous film, My Neighbors the Yamadas, was released in 1998, it was unofficially known by those who worked on it as “the film that broke Studio Ghibli.” Such an ignominious title was owed to Takahata’s choice to eschew traditional cel animation, the process by which all previous Ghibli films had been produced, and opt to animate the film entirely through computer, with each frame meticulously painted and animated through digital process. For Princess Kaguya, Takahata would again return to reiterate and arguably refine this technique, imbuing every frame and scene with the sort of scrupulous attention one would expect from a master calligrapher or Ukiyo-e artist. The film recounts the story of Japan’s oldest folklore story, The Tale of the Bamboo Cutter, wherein a young celestial maiden born from the root of a bamboo plant is adopted and later championed as a princess as she struggles to understand her identity as both a mortal and a child of the heavens. The movie’s grueling seven-year development and Takahata’s uncompromising commitment to perfection ultimately paid off, delivering a film of uncontested visual and thematic beauty. 67. Spriggan (1998)
During the tail end of the Cold War, a scientific expedition unearths a massive structure that turns out to be the mythical Noah’s Ark, which turns out to be less a biblical vessel of salvation and more a preternatural warship of mass destruction. As clandestine paramilitaries and a rogue U.S agency converge on the Ark’s location to harness its power in a bid for global supremacy, special ops “Spriggan” agent named Yu Ominae is dispatched to accompany the team sent to excavate the Ark site and prevent its apocalyptic reawakening at all costs. Despite being “supervised” and partially written by Katsuhiro Otomo and shamelessly trumpeted as the so-called “next Akira,” Spriggan had little hope of rising to the meteoric heights of expectation heaped by such a comparison. Instead, what it turns out to be is a super-powered Indiana Jones meets Armageddon spy flick packed with thrilling chase scenes, psychic martial art showdowns, and breathtakingly beautiful montages of the sparse picturesque plains and mountains of Nepal. For anyone who adheres to the “they don’t make ’em like this anymore” mentality in regard to late ’90s action anime, Spriggan is required viewing. 66. Macross Plus (1995)
Originally created as a four episode OVA, then re-released as a cut-down, theatrical version with 20 minutes of new footage, Macross Plus is the first Macross sequel that takes place in the original timeline of the TV series. Creator Shoji Kawamori ret-conned Macross II and Do You Remember Love? as parallel world stories, setting the stage for Macross Plus as the first “true” sequel to the popular original. Macross Plus take place 30 years after the war between the humans and the alien Zentradis, detailed in the original show, and instead focuses on two rival test pilots (and former childhood friends) and their struggle to be the first to secure funding for a new, experimental fighter that would replace the current model. As with all things Macross, the two pilots are a part of a love triangle with a woman from their childhood, who is now the producer of Sharon Apple, the most famous singer in the galaxy (actually an Artificial Intelligence). Things start to go wrong when Sharon Apple achieves sentience and goes rogue, taking over the SDF-1 Macross ship and threatening thousands of lives. Macross II is an unconventional “sequel” in that it’s structured similarly to the original show—an overall threat, a love triangle, a famous pop idol—yet it remixes these elements in a strange but satisfying way. Macross II is perhaps best known for its heavy usage of CGI, a novelty at the time, and its fluid, realistic dog-fighting sequences, something Kawamori was obsessed with getting right. As an OVA converted into a theatrical, it’s not as beautiful as Do You Remember Love?, but the battle scenes in particular are incredibly detailed, and the mecha designs are (as always with the Macross series) top-notch. Macross Plus, like all things Macross, has a complex history in the United States. The theatrical version was never made available as a dub, and is now very hard to find—but the OVA is readily available, and almost as good. Buyers beware—like much ’80s/’90s anime, there is a pointless “almost rape” scene that serves no essential purpose, and story-wise, Macross Plus lacks the narrative push of the original’s “alien invasion” plotline. Still, for anyone looking to delve deeper into the Macross universe, Macross Plus still gives you exactly what Macross does so well—and this time, it’s official canon. —J.D. 65. Phoenix: 2772 (1980)
Osamu Tezuka, creator of such seminal manga/anime as Astro Boy, Kimba the White Lion, and Black Jack, is often referred to as “the Walt Disney of Japan,” and for good reason. The impact of his work is almost incalculable, and unlike Walt Disney, Tezuka was an equally adept hand at both simplistic children’s fables and complex, philosophical works that dealt with the questions that lie at the very heart of humanity. Phoenix is a 12-volume manga series that falls into that latter category, and one Tezuka considered his life’s work. Phoenix: 2772, then, written and produced by Tezuka, loosely adapts characters and concepts from several volumes of the manga. The story is set in a distant future in which the earth is ruined and humanity is dying, its only hope a young man’s quest to find the Phoenix—a mythical creature whose blood is said to heal all, and grant immortality. The young man, Godo, sets off with his crew to capture and kill the Phoenix, but as with any quest for immortality, they are doomed before they even begin. A vision of mankind’s future as bleak as any seen in film history, Phoenix nevertheless ends on a psychedelic, cosmic note of beauty and hopefulness, making the two-hour journey of the film an ultimately worthwhile one. The character designs are firmly Tezuka-esque—one character is pretty much an exact clone of Tezuka’s Black Jack (no complaints here!), and the animation is shockingly fluid for the time. The background work is simple but clean. This is clearly feature film level animation with some musical sequences (particularly the dialogue-free first 12 minutes) and action scenes that rival anything in the Disney canon. This is a hard one to track down, as it’s mostly out of print in the United States, but if you can clap eyes on a copy, you won’t be disappointed. As an animated entrée into Tezuka’s greatest work, Phoenix: 2272,/i> is a perfect example of why his oeuvre was so much more than just Astro Boy. —J.D. 64. Blood: The Last Vampire (2000)
The date is October 31, 1966. The military personnel stationed at the Yokota Air Base are scrambling for deployment on the eve of the Vietnam War while students at the base’s adjourning high school excitedly ready themselves for the campus’ annual halloween celebration. In the midst of this bottleneck of international tension and unsuspecting revelry, a mysterious transfer student named Saya has come to the school on a mission: to hunt down and kill a trio of terrifying creatures who prey on the blood and bodies of their human prey. Blood: The Last Vampire is significant for many reasons. The movie is not only the first anime film to be foremost produced entirely in English with Japanese subtitles, but also the first to eschew traditional cel drawn animation and be drawn and produced entirely through digital imaging software. Although already long ago pioneered by Disney on such works as Pocahontas and Mulan, this fact about the film’s production signifies a subtle yet seismic paradigm shift in the history of anime production and subsequently the culture of the medium at large. Blood was a proving ground of sorts for many of those involved, among them Kenji Kamiyama, a young screenwriter and background artist who would eventually go on to direct the television series adaptation of Masamune Shirow’s Ghost in the Shell. Top that off with Katsuya Terada’s richly detailed character designs and beautifully photorealistic backgrounds, and you have an anime film packed with a surprising amount of aesthetic and historical significance considering its lean 48-minute running time. 63. Dragon Ball Z: Broly – The Legendary Super Saiyan (1993)
As the eighth and best theatrical release in possibly the best known anime franchise on the planet, Dragon Ball Z: Broly – The Legendary Super Saiyan has probably been seen by more people than most of the other films on this list. Luckily, it’s well worth your time, whether you’re a fan of the ongoing series from which it sprung or not. The story, which, as with most other DBZ movies, is simply an excuse to gather the Z fighters together to combat a new threat to the universe. This time it concerns a super saiyan—a warrior from an alien race—who wants to enslave humanity, and whose quest begins with an orchestrated revenge against the heroes of DBZ. In other words, a typical shounen plot for perhaps the ultimate shounen show. What then separates Broly from the many other DBZ movies and specials? Two things: Broly himself is a silly but fun, over-the-top villain—a Super Saiyan version of The Hulk who only gets more powerful the angrier he gets—and the battle scene (comprising half of the film), which is endless fun for fans of kinetic action. Like any good theatrical film based upon an ongoing series, Dragon Ball Z: Broly – The Legendary Super Saiyan contains everything that makes the series a hit, while offering the more fluid, cleaner animation that comes with a theatrical budget, and highlighting the best thing about the show itself—the pure, addictive thrill of great beings doing battle. As with all DBZ-derived material, Akira Toriyama’s simple story and pleasingly drawn characters remain a joy to watch for both kids and adults. If you are wondering about the massive appeal of the Dragon Ball franchise, Broly is as good a place as any to dip your toes into Toriyama’s best known work. —J.D. 62. Whisper of the Heart (1995)
One of Studio Ghibli’s undersung treasures, Whisper of the Heart is a heartwarming coming-of-age story infused with fantastical imagery and endearing adolescent romance. Whisper of the Heart is the story of Shizuku, a stubborn and precocious bookworm who, after meeting Seiji Amasawa, an ambitious young violin-maker who shares her affinity for literature, is inspired to pursue her own passion for writing as an alternate means of accepting and professing her nascent affections for him. With spectacular aforementioned fantasy backdrops commissioned by artist Naohisa Inoue and the memorable inclusion of Olivia Newton-John’s rendition of “Take Me Home, Country Roads,” Whisper of the Heart is a beautiful movie and a bittersweet farewell effort from Yoshifumi Kondo who, at age forty-seven, passed away from heart complications. 61. The Disappearance of Haruhi Suzumiya (2010)
Attempting to describe the Haruhi Suzumiya franchise to a newcomer, let alone an outright anime neophyte, is anything but simple. A twenty-eight episode anime adapted from a series of light novels by Nagaru Tanigawa, The Melancholy of Haruhi Suzumiya is ostensibly a science fantasy slice-of-life comedy centered on the supernatural misadventures of a group of Japanese high schoolers lead by the series’ pugnacious, foul-mouthed namesake. The series is a prime example of postmodernism, with self-referentiality, existential crises, and a non-linear continuity that has captivated and infuriated fans since it first aired. Running at two hours and forty-two minutes, The Disappearance of Haruhi Suzumiya is the second longest anime film ever produced, and the series’ capstone. The film follows Kyon, the series’ true protagonist/audience surrogate, who awakes one day to a world in which nobody remembers either him or Haruhi Suzumiya, the latter whom, as you might have gleaned from the film’s title, has inexplicably disappeared. A darker, more introspective human drama that wrestles with the “many worlds theory” as readily as it subverts expectations, The Disappearance of Haruhi Suzumiya is a remarkable film and an impressive finale for one of the most conceptually ambitious, genre-defying, and critically divisive anime series of the last decade. That being said, you’ll save yourself of whole lot of confusion by approaching this film only after you’ve watched the entire series. Trust me on this. 60. Night on The Galactic Railroad (1985)
Anime owes a great debt to the legacy of Kenji Miyazawa. One of the most prolific Japanese children’s fiction authors of the 20th century, Miyazawa’s work is transcendent, and Night on the Galactic Railroad is without a doubt his opus. The story follows Giovanni and Campanella, two young boys from a hillside town who are swept up on a mysterious dreamlike voyage across the boundless reaches of time and space aboard the titular railroad. A deft fusion of Christian symbolism and Buddhism, the novella is akin to that of Antoine de Saint-Exupéry’s The Little Prince or Edward A. Abbott’s Flatland in how it’s able to elicit spiritual and emotional profundities from a deceptively simplistic premise. Gisaburo Sugii’s adaptation is a treasure of Japanese animation, a film that can aesthetically captivate a child while provoking philosophical and religious contemplation on the part of an adult. With the exception of portraying the main characters as anthropomorphic cats instead of human children, Sugii’s film is a exhaustive tribute to Miyazawa’s legacy, going so far as to incorporate the auxiliary language Esperanto (one of the author’s many passions) throughout the film’s signage and intertitles. If you’re looking for a children’s film with a more cerebral take on faith and religion, go check out Night on the Galactic Railroad. 59. Battle Angel (1993)
Dựa trên hai tập đầu tiên của loạt truyện tranh khoa học viễn tưởng dài hạn của Yukito Kishiro, Battle Angel (hay Gunnm, như được biết đến ở Nhật Bản) là câu chuyện về Gally, một Cyborg mất trí nhớ, người đã đánh thức một tương lai dystopian sau khi được giải cứu bởi một nhà khoa học chân giả tử tế và sau đó bắt đầu hành trình cá nhân của sự tự khám phá và phiêu lưu. Mặc dù loạt phim nổi tiếng và manga đã chạy trong mười chín năm tích lũy, Battle Angel thích nghi chỉ hai tập đầu tiên của bộ truyện. Bộ phim là tài liệu cao cấp của Cyberpunk, với cảnh quan thành phố rộng lớn, những người nghiện cyborg giết người, những người săn lùng tiền thưởng, và một siêu đô thị khổng lồ treo trên đất liền ngăn cách những người không có. Battle Angel thực hiện một công việc tuyệt vời là phát hiện ra vòng cung ban đầu của Gally, từ một thanh niên vô duyên đến một thợ săn tiền thưởng đáng gờm và võ sĩ. Bộ phim chất lượng ấn tượng chỉ làm cho sự vắng mặt của bất kỳ sự thích nghi nào sau đó tất cả những điều kỳ lạ hơn. Battle Angel chỉ chỉ làm trầy xước bề mặt của tài liệu nguồn của nó, nhưng nếu bạn đang tìm kiếm câu chuyện Cyberpunk cổ điển và giới thiệu ngắn gọn về Kishiro, Opus, bạn sẽ không được đưa ra một phát súng này. 58. Lupin III: Lâu đài Cagliostro (1979)
Bản chất của Miyazaki, oeuvre như vậy mà nó gây ra sự bối rối của sự giàu có, mỗi bộ phim trong phần riêng của nó nằm không thể xóa nhòa trong sự liên tục đó là kinh điển anime. Những bộ phim của anh ấy rất được hoan nghênh vì cách kể chuyện bằng hình ảnh và sự điêu luyện cảm xúc của họ đến nỗi ngay cả những người có thể được coi là những bộ phim tồi tệ nhất của anh ấy vẫn xếp hạng các giải đấu trên những nhà làm phim hoạt hình chỉ khao khát địa vị của anh ấy. Trường hợp tại điểm: Lupin III: Lâu đài của Cagliostro. Miyazaki sườn đảm nhận tội phạm chính khét tiếng của Kazuhiko Kato, ngay lập tức là một bộ phim trộm cắp gồ ghề với trái tim và những gì có thể được cho là những bộ phim nhỏ hơn của Miyazaki. Phấn nó vào những nỗ lực non trẻ của Miyazaki, với tư cách là một đạo diễn, Castle of Cagliostro phải chịu đựng một nửa trung giữa và một nhân vật phản diện đơn giản đáng thất vọng trong khi vẫn bằng cách nào đó quản lý để lấp lánh với sự quyến rũ đặc trưng của anh ta qua hành lý của một công việc. Những người hâm mộ của bộ phim đã chỉ trích một cách say mê bộ phim vì đã giải phóng Lupin về những dự đoán vô chính phủ của anh ta và thay vào đó đưa anh ta vào khuôn mẫu của một tên trộm quý ông thực sự, chỉ ăn cắp khi cảm giác danh dự mơ hồ của anh ta cho phép nó. Trong mọi trường hợp, lâu đài Cagliostro vẫn là một cổ vật quan trọng và thiết yếu của tác phẩm Miyazaki tựa Proto-Ghibli. Một bộ phim Miyazaki thiếu sót là một chiến thắng như nhau. 57. Một ngàn và một đêm (1969)
Được tạo ra bởi Mushi Productions, hãng phim đằng sau những tác phẩm kinh điển như Astroboy, Kimba The White Lion và Dororo, và được sản xuất bởi không ai khác ngoài Anime Patriarch Osamu Tezuka, một nghìn và một đêm là phần đầu tiên được gọi là sau này được gọi là Animerama Series, một bộ ba phim khiêu dâm thử nghiệm được liên kết theo chủ đề được tạo ra cho khán giả trưởng thành. Được đạo diễn bởi Eiichi Yamamoto và được viết bởi Tezuka với sự hỗ trợ của Kazuo Fukasaka và Hiroyuki Kumai, bộ phim phát hành ban đầu tại Nhật Bản đã được vô địch vì hoạt hình trừu tượng, cảnh quay trực tiếp thử nghiệm, cốt truyện người lớn và điểm số nhạc rock. Một nghìn và một đêm sau đó sẽ được đặt tên và nhận được một bản phát hành của người Mỹ, dự đoán hiện tượng phim hoạt hình người lớn đã gây ra bởi Ralph Bakshi tựa 1972 Fritz the Cat, chỉ để được phát hành và nhận được một bản phát hành hạn chế. Bản lồng tiếng Anh của một nghìn và một đêm được cho là bị mất vào biên niên sử của lịch sử, chỉ có bộ phim phiên bản phụ đề ban đầu để đứng như một minh chứng cho một trong những thí nghiệm kỳ quái và hấp dẫn nhất trong hoạt hình Nhật Bản. 56. Animatrix (2003)
Animatrix, không còn nghi ngờ gì nữa, điều tốt nhất để ra khỏi nhượng quyền ma trận kể từ bộ phim gốc. Ở đỉnh cao của sự phổ biến của loạt phim giữa việc sản xuất ma trận được tải lại và các cuộc cách mạng, Wachowskis đã tuyển dụng tài năng của bảy trong số các đạo diễn ưu việt nhất làm việc trong lĩnh vực anime để cùng tạo ra một tuyển tập của chín bộ phim ngắn được đặt trong và xung quanh Tính liên tục của vũ trụ ma trận. Tất cả các vùng nhiệt đới quen thuộc đều có mặt: Mirrorshades, Kung Fu Acrobatics, cơn mưa xung của Kanji kỹ thuật số. Nhưng chất lượng lớn nhất của tuyển tập Animatrix là khúc xạ tầm nhìn đơn lẻ của Wachowskis đến một kính vạn hoa của các khả năng thị giác và khái niệm chưa được khai thác trong khái niệm cốt lõi của loạt. Cho dù đó là phần tiền truyện lạnh của Mahiro Maeda trong Hồi giáo Phục hưng thứ hai, Bí ẩn Noir công nghệ thấp của Shinichiro Watanabe trong một câu chuyện thám tử, một cuộc hành trình kỳ quái và ảo giác của Peter Chung với một ma trận do con người chỉ định Animatrix tập trực tiếp vào thần thoại tập thể của Heart of Films và mô phỏng lại nó với mỗi giọt sáng tạo chưa được khai thác cuối cùng mà bộ truyện sau đó vẫn chưa được tập hợp. 55. Cánh Gundam: Waltz vô tận (2000)
Waltz vô tận ban đầu được sản xuất như một OVA ba phần kết thúc câu chuyện về bộ phim truyền hình Gundam Wing, diễn ra bên ngoài dòng thời gian bình thường của dòng thời gian của Gundam. Việc cắt phim là trải nghiệm xem vượt trội, tuy nhiên. Waltz vô tận diễn ra một năm sau các sự kiện kết thúc Gundam Wing, và liên quan đến các phi công Gundam, và kẻ thù của họ Zechs Merquise, ra khỏi nghỉ hưu để chiến đấu với một mối đe dọa cuối cùng và trong một số trường hợp, nhau. Trong đó loạt phim truyền hình Gundam Wing có một cốt truyện có xu hướng uốn khúc, và đôi khi sử dụng hoạt hình giá rẻ hoặc cels lặp đi lặp lại, Waltz vô tận là một bữa tiệc cho đôi mắt đầy những cảnh chiến đấu tuyệt đẹp mà bất kỳ người hâm mộ của robot khổng lồ sẽ đánh giá cao. Thêm vào đó là quyết định rất thông minh để có Katoki Hajime vĩ đại (Hòa bình ngắn, Gundam 0083) thiết kế lại các Gundam thành các hình thức phát triển của họ, và điều này trở nên nhiều hơn một kết thúc đơn giản của hàng loạt tiền mặt. Đối với phiên bản phim này, một số cảnh quay từ OVA đã được chỉnh sửa, và có một số điều chỉnh nhẹ cho hoạt hình gốc. Là một phần trả cho phim truyền hình, đó là một cách tuyệt vời để ghé thăm với Gundam Pilots lần cuối, và như một người đứng, nó hoạt động đủ tốt để ngay cả khi một người không quen thuộc với tài liệu nguồn, thì đó là một chuyến đi thú vị. Các câu hỏi thông thường về chi phí chiến tranh, giá của hòa bình và chủ nghĩa quyết định của con người chạy qua hầu như tất cả các loạt Gundam đều được hiển thị đầy đủ ở đây. Nếu bạn muốn một ví dụ ngắn gọn về những gì Gundam làm rất tốt so với các loại anime robot khổng lồ khác, thì đây là một điệu nhảy đáng để thực hiện. TIẾNG VIỆC.D. 54. 5 cm mỗi giây (2007)
Bộ phim nổi tiếng thứ tư và được cho là của Makoto Shinkai mỗi giây, tập trung vào khoảng cách dường như khó chịu riêng biệt. Được kể qua ba truyện ngắn, bộ phim kể về Takaki Tono qua thời thơ ấu, tuổi thiếu niên, và cuối cùng là tuổi trưởng thành, ghi lại cách lãng mạn chưa thực hiện của anh với người bạn thân cũ của anh, Akari Shinohara, cả hai đều thúc đẩy anh về phía trước và bi thảm khiến anh không thể theo đuổi kết nối con người ở nơi khác. Lấy bối cảnh giữa những năm đầu thập niên 90 và Aughts muộn, 5 cm mỗi giây sử dụng sự vắng mặt và sự phổ biến sau này của công nghệ truyền thông hiện đại để kể một câu chuyện về các kết nối hỗn hợp và cộng hưởng cảm xúc. Với đầy những mô típ cảm xúc cần thiết của Shinkai, về sự cô đơn, u sầu hiện sinh và ennui lãng mạn, 5 cm mỗi giây có lẽ là sự giới thiệu dứt khoát về Shinkai tựa oeuvre cho người hâm mộ và người mới đến. 53. Hàng xóm của tôi Yamadas (1999)
Isao Takahata, vì tất cả các vị trí huyền thoại của ông là đạo diễn và đồng sáng lập của Studio Ghibli, đôi khi là một đạo diễn khó xác định, theo phong cách. Trường hợp điển hình: bộ phim hài vui vẻ, gần như không có cốt truyện, nhân đạo của tôi, Yamadas, trông và cảm thấy như không có gì khác trong oeuvre của anh ấy. Mặc dù vậy, bằng cách nào đó nó cũng cảm thấy giống như Takahata tinh túy. Dựa trên truyện tranh truyện tranh, Non-chan, bộ phim là một loạt các họa tiết tập trung quanh Yamadas, một gia đình trung bình sống ở Metropolitan Nhật Bản. Những họa tiết này bao gồm tất cả mọi thứ từ cách Takashi và Matsuko (cha mẹ ở trung tâm của nhiều câu chuyện) đã gặp nhau, cho đến những cuộc tranh luận của gia đình về việc người có quyền kiểm soát điều khiển TV, với lời khuyên và câu tục ngữ của bà Shige, nói với gia đình. Mặc dù không có một câu chuyện bao quát, nhưng đến cuối bộ phim, mỗi nhân vật và các mối quan hệ kết nối của họ đều được vẽ một cách tinh tế và thực tế, và thật dễ dàng để tìm thấy chính mình tình yêu với gia đình này, và nhân tính ngớ ngẩn, cua của họ. Những sự thật phức tạp về lão hóa, hôn nhân, gia đình và tuổi thơ được thể hiện thông qua những câu chuyện đơn giản này về các thành viên gia đình đặc biệt và những thử thách, khổ nạn và những chú chó hàng ngày của họ. Cũng cần lưu ý là phong cách hình ảnh nổi bật của bộ phim, được thiết kế để trông giống như một bộ truyện tranh màu nước. Takahata rất vững chắc trong mong muốn đạt được cái nhìn này đến nỗi những người hàng xóm của tôi, Yamadas cuối cùng đã trở thành bộ phim kỹ thuật số hoàn toàn đầu tiên từ Studio Ghibli. Cho dù bạn thấy nó di chuyển chậm hoặc an thần thú vị, hình ảnh sẽ quyến rũ. Hàng xóm của tôi Yamadas là một bộ phim mà Ghibli mới làm, và chỉ có Takahata mới có thể định hình thành một cú hích sâu sắc như vậy đối với nhân loại của các gia đình hàng ngày. Takahata thiết yếu, thực sự. TIẾNG VIỆC.D. 52. Cat Soup (2001)
There’s a lot of ways to go about describing Cat Soup to someone who’s never seen it before. Hallucinatory. Macabre. Avant-garde. Adorable. The only thing you can’t call it is boring. Directed in 2001 by Tatsuo Sato and co-conceived by Sato and Masaaki Yuasa, Cat Soup is an award-winning dark comedy short film inspired by the work of cult manga artist Nekojiru. The film is a brilliant example of stream-of-consciousness animation, following the exploits of a young kitten named Nyatta who embarks on a bizarre journey to recover the soul of his sister Nyaako. Describing what happens in the film is insufficient in attempting to understand it as compared to simply watching it. Cat Soup is a disquieting head-trip, a pastel-colored fever dream, and above all else a supremely creative short film that’s as visually entertaining as it is conceptually unnerving. 51. Howl’s Moving Castle (2004)
Howl’s Moving Castle was the Miyazaki film that almost didn’t happen. Conceived in 2001 amidst the height of Spirited Away’s success, Mamoru Hosoda was originally slated to direct the adaptation of Diana Wynne Jones’ 1986 novel before he and Ghibli had a falling out due to a conflict of creative visions. Miyazaki seized the reins and made the film his own, crafting the source material into a creative vessel through which he could forge his impassioned contempt for the then-ongoing U.S. invasion of Iraq into a parable about a fruitless magical proxy war between two nations in a steampunk fantasy setting. Howl’s is a whimsical if occasionally tepid adventure of a timid young woman who, after being cursed with the body of an old crone by a jealous witch, is rescued by a charismatic wizard who lives in a gigantic walking house. The film’s titular castle is one of Miyazaki’s finest creations, resembling a bow-legged fish armed with stumpy wings and turrets hobbling across the countryside and shuffling debris to and fro. To be sure, though its finale is a bit muted and the abrupt resolution of a love story in the movie’s denouement is a bit too neat and tidy, the film is a quintessential Miyazaki effort nonetheless that’s sure to please both newcomers and enthusiasts who might have somehow not seen it yet. 50. Dead Leaves (2004)
You may not recognize Hiroyuki Imaishi’s name from a first glance, but in his career as an animator and director over the past two decades, he has amassed a body of work that’s iconic among post-millennial animation. Most recognized for his work as an animator on shows like FLCL and Neon Genesis Evangelion before going on to direct such cult classic series as Tengen Toppa Gurren Lagann and Kill La Kill, his directorial feature debut, Dead Leaves, is a pure encapsulation of all of Imaishi’s idiosyncrasies and quirks as a director. The film follows the hyper-violent misadventures of two amnesiac criminals sentenced to life imprisonment aboard a space penitentiary embedded in the remnants of the moon. The film’s art style resembles what one would picture from an hyper-stylized underground cult comic from the ’90s, albeit injected with an industrial-sized adrenaline shot of anarchism, profanity and phallic imagery. The sum total of Imaishi’s aesthetic legacy can be traced back to Dead Leaves, whether it be his affinity for drill imagery that would later take center stage in Gurren Lagann or the frenzied hyperactive gunfights that would pop up in his work on FLCL. Dead Leaves is unapologetically low on story and crammed wall to wall with style, but when this combination plays so well to the director’s strengths, excess is absolutely what you want out of a film like this. 49. Ghost in the Shell 2: Innocence (2004)
Ghost in the Shell 2: Innocence is a sharp detour, both visually and conceptually, from the tone and tenor of Oshii’s 1995 classic. Set three years after the events of Ghost in the Shell and the disappearance of Major Motoko Kusanagi, Innocence follows Batou, the Major’s former partner and acting field commander of Public Security Section 9. While investigating a wave of murders perpetrated by an experimental line of sex gynoids, Batou and Section 9 uncover a deadly conspiracy linked to a rash of mysterious disappearances that extends to the highest echelons of the Japanese government. As Batou plunges into the depths of the criminal underground in his search for answers, he begins to question the extent of his own humanity as a prosthetic cyborg. Can someone ever truly recreate themselves? What does it mean to be happy? And will the Major ever truly return? Innocence is a noticeably different film than the original in regard to its tone and subject matter. Approaching it less as a sequel and more of epistemological investigation through the medium of anime, Oshii doubles down on the Christian esotericism and philosophical koan-esque questions that define the greater part of his work to create a film that, although visually impressive and conceptually complex, feels bogged down in its latter half by the weight of too much ambition. If you’re a Ghost in the Shell devotee, Innocence is definitely recommended: a dense excavation into a wellspring of ideas and questions that don’t often come to the forefront of contemporary cyberpunk stories. If you’re more of a casual viewer, stick with the somewhat more palatable (but no less profound) 1995 original. 48. Voices of a Distant Star (2002)
Makoto Shinkai’s debut is a testament to his skill as a director, and a primer for every broad emotional and aesthetic through line that would go on to define his work. When middle-schooler Mikako Nagamine is recruited by the UN Space Army to serve as a mecha pilot to fight off an alien threat striking at human civilization from the fringes of the solar system, she leaves behind her friend Noboru Terao on Earth. Initially committed to being pen pals, the gulf of time between their responses grows longer and longer given the relative distance of Mikako’s ship traveling from Earth. Produced almost entirely by Shinkai himself with music composed and performed by long-time friend and collaborator Tenmo, Voices of a Distant Star hones in on the themes of time, space and distance, and how they impact the fragility of human relationships in a way that few other works can, securing Shinkai’s status as one of anime’s premier auteur directors. 47. Jin-Roh: The Wolf Brigade (1999)
Written and storyboarded by Mamoru Oshii, Jin-Roh: The Wolf Brigade is Hiroyuki Okiura’s feature film debut and the third and final installment in Oshii’s Kerberos trilogy. Jin-Roh follows a member of an elite anti-terrorist police unit who, after failing to subdue a mysterious suicide bomber in the midst of a heated riot, is plagued by disquieting visions and doubt regarding the virtue of his service. The film is as thematically complicated as it is aesthetically breathtaking, with superbly realistic animation, deafening firefights and oppressive melancholic ambiance owed in part to Hajime Mizoguchi’s score. Jin-Roh: The Wolf Brigade is an audacious reimagining of Charles Perrault’s “Little Red Riding Hood” set in an authoritarian alternate history Japan where the lines between the wolf and the girl, the hero and the villain, become blurred to the point where the two are rendered tragically indistinguishable by their fallibility. 46. The End of Evangelion (1997)
The final two episodes of Neon Genesis Evangelion are notorious among fans of the series.Titled “Do you love me?” and “Take Care of Yourself,” the two-part finale infamously sidelined the climactic finale to the series’ central conflict, instead opting to take place entirely away from the action within the subconscious of the show’s protagonist, Shinji Ikari, as he wrestled to resolve the self-loathing and hatred which plagued him throughout the story’s duration. The unconventionality and unsatisfying nature of this conclusion prompted disgruntled fans to issue death threats on Anno’s life and Gainax’s building to be defaced with graffiti. In response, Anno set to work on an alternative ending to the series to be produced in two parts and aired in theaters. If you were looking for a light, campy and celebratory conclusion, End of Evangelion is not that movie. Instead, what fans were treated to was perhaps one of the most fatalistic, avant garde, and oddly enough, life-affirming endings to an anime series ever produced. In short, it is the best and worst of everything that is Evangelion combined to create a film that is unlike anything that had come before it. Despite its unrelenting darkness, End of Evangelion remains true to the ethos of its subtitle, that the joy of death is in the act of rebirth. 45. Galaxy Express 999 (1979)
Leiji Matsumoto was, along with Go Nagai, one of the preeminent creators of manga and anime in Japan in the 1970s. He is best known for his Yamato series, but his ultimate artistic achievement is perhaps the shared universe represented by the Galaxy Express 999, Captain Harlock and Queen Emeraldas manga and anime series. Galaxy Express 999 started as a manga, then became a 113-episode anime, and culminated in a series of films, of which the self-titled is the first. Directed by the great Rintaro (Metropolis, X, Neo-Tokyo), and written by and adapted from Leiji Matsumoto’s manga, Galaxy Express 999 is quintessential Leiji. The story (inspired by the classic novel A Night on the Galactic Railroad) concerns a distant future where humans have developed the ability to download their consciousness into robot bodies, essentially achieving immortality—but also losing some measure of humanity. Only the richest humans can afford this procedure, and the poor are forced to live in squalor and die in backwater areas. Tetsuo Hoshino is a young boy whose mother was determined for them both to become immortal. Hearing of the legend of the galactic train, the Galaxy Express 999, whose passengers are guaranteed immortality, he meets Maetel, a mysterious woman who controls the train and offers to grant his wish if he keeps her company along the way. Exploring concepts like class struggle, immortality and what it really means to be human, Galaxy Express 999 is a heady piece of work. Leiji’s designs remain very idiosyncratic, his style being highly defined by this point, and though this film was made for a relatively small amount of money, the backgrounds and designs are uniformly beautiful. The animation itself is not really above the quality of the TV series upon which it was based, but that doesn’t really hurt the proceedings. As a way of summing up over a hundred episodes of story into one film, it’s a surprisingly lucid, affective piece of melancholy science fiction—Leiji’s specialty. It was a smash at the Japanese box office, leading to a somewhat confusing sequel, Adieu Galaxy Express 999, three years later. It was adapted for the U.S. market in 1980 by Roger Corman’s production company, and as was typical for the time, highly edited and changed for American consumption. Stick to the original with this one. A good place to start with Leiji Matsumoto, when you are ready to go beyond Yamato. —J.D. 44. Steamboy (2004)
Steamboy, Katsuhiro Otomo’s long awaited follow-up to his defining 1988 film Akira, is remarkable for many reasons. Set in 1866 amid the landmark Great Exhibition in London, Steamboy is a high-flying steampunk adventure centered on a young inventor named Ray and a powerful object engineered by his genius scientist father and grandfather. The film is replete with the intricate details and expressive character animations that are synonymous with Otomo’s reputation as a master of the craft. The set-pieces are sweeping, and the action is entertaining, but there’s something missing. The plot plods and grinds to an excruciatingly slow pace during the film’s third act with just an hour left of the movie. The supporting characters are slight and ultimately insignificant to the arcs of either the protagonist or antagonist. And the film’s central theme, the question of what do the pursuit of science and industry owe to the whole of humanity, comes across as at best muddled and at worst disappointingly simplistic. Inspired initially by Otomo’s short “Cannon Fodder” for his 1995 anthology Memories and the pulp fantasy adventure novels of Edward Ellis and Harry Enton, Steamboy’s production lasted just shy of a decade, consisted of over 180,000 drawings and 440 computer-animated cuts, and cost an estimated $20 million. With that being said, despite its shortcomings, Steamboy remains a visually impressive technical achievement in modern animation. It’s a low mark in a filmography of outstanding work that still manages to crest higher than the majority of works it was released alongside of. 43. Porco Rosso (1992)
Sometimes cited as “lesser Miyazaki,” Porco Rosso is actually one of his most complex and melancholy films. Set in Croatia in the years immediately following World War I, the film revolves around the the titular character, an ex-WWI flying ace who has been turned into a human-sized pig through a mysterious curse (which is never really explained, only alluded to). Most of the film covers the story of Porco’s rivalry with a brash American pilot, Curtis, and their competition to win the hand of Gina, Porco’s longtime friend and the love of his life. Originally commissioned as a short in-flight film for Japan Airlines based on Miyazaki’s short manga, it slowly expanded into a feature film—and was of course a huge hit in Japan, despite being a bit of a departure for Miyazaki. Up until his most recent film, The Wind Rises, Porco Rosso was the Studio Ghibli film that perhaps had the most “Miyazaki” in it. His obsessions with European towns, the forward march of technology, the disruptive effect of war, plucky young heroines, and of course, planes and flight, are more than just foregrounded here—they are the film. The entire enterprise has a mournful, melancholy feel, and thus a possibly ridiculous situation (a pig living his life as a man) is given a surprising amount of pathos. Porco pretends not to care that he isn’t human any more, and we learn that he feels he was cursed due to an act of cowardice in battle—although it’s never really clear if there’s anything he could have done differently. Porco’s mournfulness and survivor’s guilt permeate everything he does, and his resignation at his transformed state stunts his growth in other areas, making him a particularly sad protagonist. Paced more deliberately than other Miyazaki films, Porco Rosso comes together for a rousing climax, a beautifully realized dogfight that lives up to the insanely high bar set by Miyazaki’s other flying sequences. Along with The Wind Rises, Porco Rosso is one of Miyazaki’s least fanciful films, using real planes, a real location, and set during real events. More grounded than a fantasy about a pig man would suggest, Porco Rosso nevertheless reaches heights that will leave any anime fan breathless—and does it in style. —J.D. 42. The Girl Who Leapt through Time (2006)
Though The Girl Who Leapt through Time may not technically be Mamoru Hosoda’s first turn as a director, it’s nonetheless the film that first introduced his name to the world stage and affixed the albatross title of “the next Miyazaki” around his neck. Based on Yasutaka Tsutsui’s 1967 novel, Hosoda’s film is a spiritual successor of sorts to the original. Makoto Konno is by all appearances an average high school girl with a habit of clumsiness and oversleeping. But after discovering a mysterious artifact while hanging around after class, she soon discovers that she has the ability to “leap” backward through time. What then begins as frivolous dalliances of youthful indiscretion soon enough cascades into an unforeseen series of chain reactions that threaten to shake her life to the core and force her to commit to the consequences of her actions. It’s a beautiful film for sure, with terrific animation confidently bringing Yoshiyuki Sadamoto’s signature character designs to life. Like all great science-fiction, The Girl Who Leapt through Time offers the satisfaction of speculative wish fulfillment combined with an earthly lesson that touches home: time waits for no one, and no matter our fears or regrets, an inescapable part of growing up means taking a leap of faith into the unknown and learning how to fly on our way down. 41. Nơi được hứa hẹn trong những ngày đầu của chúng tôi (2004)
Cố gắng đóng đinh bộ phim hay nhất của Makoto Shinkai, là một nhiệm vụ khó khăn, để nói rằng ít nhất. Mặc dù không có bộ phim nào của anh ấy là Bad Bad, nhưng tác phẩm của anh ấy có xu hướng đọc lại một sự sắp xếp chung của các họa tiết thị giác và chủ đề, mặc dù giải trí, để lại một cái gì đó mong muốn theo cách phạm vi. Nói một cách đơn giản: nếu bạn đã xem một trong những bộ phim của anh ấy, bạn có thể đoán một cách đáng tin cậy những người khác của anh ấy sẽ như thế nào. Đó là những gì làm cho nơi này được hứa hẹn trong những ngày đầu của chúng tôi trở nên mẫu mực. Nó chạm vào tất cả các chủ đề chính của Shinkai và những nhịp đập cảm xúc (nỗi buồn cô đơn, Hồi Ennui, u sầu lãng mạn) và quấn lấy tình cảm thẩm mỹ của mình trong một bộ phim giả tưởng khoa học viễn tưởng mạnh mẽ mang đến những nhịp điệu đó và một sự giải quyết thỏa mãn. Sản xuất dài đầu tiên của Shinkai, nơi này được hứa hẹn trong những ngày đầu của chúng tôi được đặt trong một vũ trụ thay thế, nơi Nhật Bản đã được phân tầng thành hai lãnh thổ đối lập bị Liên Xô và Hoa Kỳ chiếm giữ. Bộ phim kể về những câu chuyện của Hiroki, Takuyi và Sayuri, ba người bạn thời thơ ấu năm 1996 tạo thành một hiệp ước cho một ngày bay đến Tháp Spindling bí ẩn được xây dựng trên lãnh thổ Liên minh và khám phá những bí mật của nó. Nhiệm vụ vị thành niên này đã sớm leo thang vào một cuộc xung đột quốc tế kịch tính liên quan đến các khía cạnh song song, thực tế sai và công nghệ thử nghiệm. Được đổ ra với những khung cảnh hoành tráng của những đám mây màu nâu đỏ mà Shinkai được biết đến nhiều nhất, nơi này được hứa hẹn trong những ngày đầu của chúng tôi, Hones đạo diễn tài năng đến một điểm tốt, mang đến một cảm xúc cao độ trong những khoảnh khắc cao trào cuối cùng của nó. 40. Một giọng nói im lặng (2016)
Trong một môi trường quá thường xuyên cảm thấy bị hạn chế bởi tính ưu việt của sự nhạy cảm thẩm mỹ nam tính và bão hòa với các miêu tả siêu tình dục của phụ nữ được mã hóa một cách thông tục là dịch vụ của người hâm mộ, Chất lượng không thể bắt chước của chính các bộ phim của cô. Lấy cảm hứng từ những người như Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Sergei Parajanov, Sofia Coppola và Lucile Hadzihalilovic, Yamada là một đạo diễn xuất sắc, có khả năng bắt đầu Bảng màu, và các nhân vật với cuộc sống nội tâm phong phú đầy rẫy những cuộc đấu tranh khó khăn, đáng tin cậy. Một giọng nói im lặng, được chuyển thể từ manga cùng tên của Yoshitoki Oima, là một ví dụ điển hình của tất cả những sự nhạy cảm này khi chơi. Khi Shoya Ishida gặp Shoko Nishimiya, một học sinh điếc, ở trường tiểu học, anh ta không ngừng giải trí với sự thích thú của các bạn cùng lớp. Một ngày nọ, khi Shoya đi quá xa, buộc Shoko phải chuyển giao một lần nữa vì sợ sự an toàn của chính mình, anh ta được các đồng nghiệp của mình gắn vào một tình trạng bị cô lập và tự tôn. Nhiều năm sau, Shoya gặp Shoko một lần nữa, bây giờ là thanh thiếu niên và cố gắng sửa đổi cho tác hại mà anh gây ra cho cô, trong khi đấu vật để hiểu động lực của chính mình để làm như vậy. Một giọng nói im lặng là một bộ phim có chiều sâu cảm xúc to lớn, một bức chân dung ảnh hưởng của lạm dụng, hòa giải và tha thứ cho tác hại của người khác và chính chúng ta. 39. Interstella 5555 (2003)
Trở lại năm 2003, Daft Punk đã đứng đầu thế giới. Ra mắt phát hành album thứ hai đột phá của họ với những người độc thân đứng đầu bảng xếp hạng như là Aer-Aerodynamic và một lần nữa, bộ đôi này đã tự tin bảo đảm vị trí của họ ở đỉnh của EDM Zeitgeist. Tuy nhiên, cặp đôi vẫn chưa ngạc nhiên hơn với tay áo của họ. Trong các phiên ghi âm sớm của Discovery, Thomas Bangalter và Guy-Manuel de Homem-Christo đồng sáng tác một kịch bản dựa trên album với ý định ném nó cho anh hùng thời thơ ấu của họ, Leiji Matsumoto. Một năm trước khi phát hành album, cặp đôi đã tới Tokyo để trình bày ý tưởng của họ với Matsumoto, mà anh chấp nhận. Phần còn lại, họ nói, là lịch sử. Được cho là có giá 4 triệu đô la để sản xuất, Interstella 5555 đã biến một album mà nhiều người cho là vắng mặt bất kỳ câu chuyện nào và biến thành một Operysey Operysey EDM không gian hoành tráng tập trung vào vụ bắt cóc nguy hiểm và giải cứu sau đó của một ban nhạc ngoài hành tinh da xanh từ Các ly hợp bất chính của một giám đốc điều hành nhãn hiệu dựa trên sự thống trị của thiên hà. Không chỉ là sự liên kết tình cờ của hai lực lượng vô cùng sáng tạo, Interstella 5555 vượt qua những hạn chế của việc không có cuộc đối thoại nói để trở thành một câu chuyện ngụ ngôn hấp dẫn cho việc chiếm đoạt tài năng và các mưu mô săn mồi của ngành công nghiệp giải trí. Nó có một sự hợp tác có một không hai cảm thấy như một bộ phim được lấy từ một khía cạnh không thể, thay thế nên được người hâm mộ nhạc khiêu vũ và người hâm mộ anime nhìn thấy. 38. Vampire Hunter D (1985)
Being an anime fan in the late ’80s/early ’90s was more difficult than it is today, with the wealth of streaming options available to younger fans. In the pre-internet, VHS era, U.S. anime fans were forced to choose from what was available at their local video store- or black market illegal fansubs. To otaku of a certain age, Vampire Hunter D is a classic of this bygone era. One of the first “adult-themed” anime to come across the pond and end up at places like Blockbuster—for you younger readers, that was Netflix before Netflix—it was pretty much required viewing by any budding anime fan. In fact it’s fair to say that for a time, Vampire Hunter D had higher awareness among U.S. fans than any anime with the exception of Akira, or one or two other major titles. The story, adapted from Hideyuki Kikuchi’s 1983 novel, is a relatively simplistic gothic western set against a post-apocalyptic backdrop and following the adventures of the dhampir (half-vampire) “Vampire Hunter D.” D himself is properly mysterious and taciturn in the classic mode of Japanese male protagonists, speaking rarely and generally being more of a “man of action.” This is good, as the script adaptation and dub are pretty rough (there has since been a Blu-Ray release of the film with the original Japanese dialogue). Where Vampire Hunter D excels is in its design, by the legendary Yoshitaka Amano, and direction, by Toyoo Ashida (Fist of the North Star). As an OVA, the animation quality is better than the average TV series of the era, but not up to the level of a theatrical release. A superior follow-up film, Vampire Hunter D: Bloodlust, was released 15 years later, and the series of light novels upon which the films are based still continues today. From today’s perspective, Vampire Hunter D is a dated, almost charming, example of a time when this sort of semi-adult cartoon content was considered “dangerous” to budding young anime fans in the United States. Along with a few other key titles like Wicked City and Ninja Scroll, Vampire Hunter D lit the flame for many older anime fans, and for that reason alone it deserves to be appreciated. —J.D. 37. Castle in the Sky (1986)
Coming off the critical and commercial success of Nausicaä of the Valley of the Wind, Hayao Miyazaki would go on to found Studio Ghibli alongside his mentor and collaborator Isao Takahata and Toshio Suzuki before immediately setting to work on the studio’s first major production. Castle in the Sky, alternatively titled as Laputa: Castle in the Sky, opens with a young girl named Sheeta who, after narrowly escaping the clutches of a band of air pirates who seek to exploit her for unknown ends, is miraculously saved as she falls from a flying airship by a mysterious amulet that levitates her safely to the ground. She lands in the careful arms of Pazu, a young boy from a local mining village who dreams of one day discovering the fabled floating city of Laputa and vindicating his father’s memory. What follows is a two-hour high-action adventure between the pair being doggedly chased by pirates, the military and an unscrupulous government agent—all on a quest to find the legendary castle and manipulate its untold treasures and secrets to their own nefarious ends. Castle in the Sky is a tremendous film powered by pure propulsive momentum, each setting filled with back-to-back hilarious and harrowing moments that would give Indiana Jones a run for its money in terms of action and spectacle. Inspired by the likes of Gulliver’s Travels and Judeo-Christian folklore, the floating city of Laputa is just one of the countless iconic locations that Miyazaki has conjured into the collective imagination throughout his near-fifty-year-long career. Though perhaps not as well-known as Princess Mononoke or Spirited Away, Castle in the Sky is nonetheless an essential entry in Studio Ghibli’s filmography of classics. 36. Appleseed (2004)
Based on Masamune Shirow’s 1985 award-winning sci-fi action manga series, Appleseed tells the story of ESWAT soldier Deunan Knute and her cyborg lover Briareos, who are charged with defending the utopian city of Olympus amid the turmoil of a post-apocalyptic world. Already well-respected for his mecha designs for such series as Megazone 23 and Bubblegum Crisis, Appleseed was Shinji Aramaki’s feature-length debut and noteworthy for its extensive use of CGI and cel-shading technology. Though far from the first anime to be exclusively produced in this format and released just three years after the critical and commercial windfall of Square Enix’s Final Fantasy: The Spirits Within, Appleseed was quintessential in proving the vitality and convenience of using CGI in anime production when put in the right hands. With great visuals, solid action, an infectious techno soundtrack courtesy of Japanese electronic duo Boom Boom Satellites, and a serviceable if clichéd plot, Appleseed remains a significant touchstone in the history of early-aught animation and, on top of that, a pretty entertaining watch to boot. 35. Panda! Go, Panda! (1972)
If you’re looking for the direct spiritual predecessor to the likes of My Neighbor Totoro or Ponyo, you’ll have to turn your focus all the way back to 1972, a full thirteen years before Studio Ghibli was founded. Initially released that year as a 33-minute theatrical short film before being expanded a year later with a second installment titled The Rainy-Day Circus, Panda! Go, Panda! introduced the trope of a lovable and mischievous sidekick character that would later become a constant throughout some of the studio’s best known works. Conceived, scripted and storyboarded by Hayao Miyazaki and directed by his mentor Takahata, Panda is the story of a little girl named Mimiko who, after being left home alone while her grandmother is away, becomes the adoptive daughter and surrogate mother to a giant talking panda and his son Panny. It only gets weirder from there. Mimiko is a Pippi Longstockings-like character who is unfazed by the sheer insanity that surrounds her, while her lovable panda father has a low-key psychotic vibe about him when it comes to his obsession with the bamboo grove outside Mimiko’s house. Still, Panda! Go, Panda! isn’t meant to be taken seriously. It’s a fun, cutesy children’s film with an infectious theme song that satisfies in its simplicity while also being a fascinating precursor to what Studio Ghibli would go on to perfect in their later work. 34. Robot Carnival (1987)
Silent animated shorts set to dramatic orchestral music, commonly known as Silly Symphonies, were all the rage in America throughout the 1920s and ’30s. Perhaps the most famous example from this era of animation was Fantasia, produced by Walt Disney and released to critical acclaim in 1940. Robot Carnival is anime’s answer to that film, a collection of nine short films produced by nine of the most esteemed anime directors and character designers of their time. For sure, not every short shines as a pillar of canonical greatness, e.g., Hiroyuki Kitazume’s “Starlight Angel” or Hidetoshi Omori’s “Deprive.” But when a short does shine, it’s a sight to behold. Koji Morimoto’s “Franken’s Gear” is a brilliant choice for an opener, while Manabu Ohashi’s “Cloud” is a melancholic gem that memorably experiments through the use of scratchboard animation. Hiroyuki Kitakubo’s “Strange Tales of Meiji Machine Culture: Westerner’s Invasion” is a imaginative take on the Giant Robot subgenre that’s as ridiculous as its name, and Takashi Nakamura’s “Chicken Man and Red Neck” is the true anime analog to Fantasia’s iconic “Night on Bald Mountain.” Even if Robot Carnival was not an awesome collection—and it is—it would still be a remarkable timestamp of when a constellation of talented young director align to create a project born completely out of a love for the medium. 33. Mobile Suit Gundam: Char’s Counterattack (1988)
The first Gundam theatrical and final chapter in the original saga begun in 1979 with the “Universal Century Timeline” of the Mobile Suit Gundam TV series, Char’s Counterattack has the weight of three seasons of TV behind it. Yoshiyuki Tomino, creator of the Gundam series, directed and wrote the film, adapting it faithfully from his novel, Hi-Streamer. Widely considered the best film in the Gundam franchise, Char’s Counterattack is most successful at wrapping up the 14-year rivalry between the “hero” of the Earth Federation, Amuro Ray, and the leader of Neo-Zeon, Char Aznable. The story involves a classic Gundam dilemma: Char’s Neo-Zeon force attempts to drop an asteroid filled with nuclear weapons onto Earth, which would free the colonies from the yoke of oppression by their rivals, the Earth Federation, and kill everyone on Earth in the process. As with all of the best Gundam tales, Tomino approaches the story from a hard sci-fi point of view, clearly laying out the science behind things like giant mobile suits and “newtypes” (humans that have evolved to acquire psychic abilities). Tomino carefully lays out the reasoning behind Char and Amuro’s passions and hatreds, not allowing the viewer to choose a clear side. Gundam series have always been willing to take on discussions about the horrors of war and how mankind, for all its advancements, never seems to be able to free itself from humanity’s baser instincts. Char’s Counterattack attempts this as well, yet it’s mostly concerned with wrapping up the rivalry between Amuro and Char—and on that note, it succeeds wildly. Featuring gorgeous, tense fight sequences set in space, an excellent soundtrack by Shigeaki Saegusa, and some of the most lauded Gundam designs in the history of the franchise, the film is inarguably one of the high points of the Gundam Universe. One down side: if you don’t have the investment of spending hundreds of episodes of television with these characters, the plot can be confusing, and Char/Amuro’s ending will likely not resonate as strongly. Regardless, Char’s Counterattack remains a key moment in the Gundam universe, one still worth checking out almost 30 years later. Hail Zeon! —J.D. 32. Mirai (2018)
Most if not all of Mamoru Hosoda’s original films produced in the past decade function, to some degree or another, as exercises in autobiography. Summer War, apart from a premise more or less recycled from Hosoda’s 2000 directorial debut Digimon Adventure: Our War Game!, was the many times removed story of Hosoda meeting his wife’s family for the first time. 2012’s Wolf Children was inspired by the passing of Hosoda’s mother, animated in part by the anxieties and aspirations at the prospect of his own impending parenthood. 2015’s The Boy and the Beast was completed just after the birth of Hosoda’s first child, the product of his own questions as to what role a father should play in the life of his son. Mirai, the director’s seventh film, is not inspired from Hosoda’s own experience, but through the experiences of his first-born son meeting his baby sibling for the first time. Told through the perspective of Kun, a toddler who feels displaced and insecure in the wake of his sister Mirai’s birth, Mirai is a beautiful adventure fantasy drama that whisks the viewer through a dazzling odyssey across Kun’s entire family tree, culminating in a poignant conclusion that emphasizes the beauty of what it means to love and be loved. Mirai is Hosoda’s most accomplished film, the recipient of the first Academy Award nomination for an anime film not produced by Studio Ghibli, and an experience as edifying as it is a joy to behold. 31. Kiki’s Delivery Service (1989)
Based on Eiko Kadono’s popular 1985 young adult novel, Kiki’s Delivery Service is a cheerful and charming story of adolescent independence and growing up. Miyazaki’s fourth film under Studio Ghibli follows the titular Kiki, a 13-year-old witch who ventures out into the world from the comfort of her hometown for a year to begin her training as an adult. Noticeably lacking in any sort of antagonist or grand adventure, Kiki’s Delivery Service focuses instead on the everyday struggles of a young adult coming into her own, albeit with a magical twist. Finding a place to stay, securing a job, learning how to make new friends and taking on more responsibilities: these are the sort of stakes that define Kiki’s journey and make her story an endearing one. Miyazaki’s affinity for depicting flight shines through every scene of Kiki wrestling against the air current to steady her broom mid-flight, her dress billowing in the wind as she jets off in the film’s spectacular finale. Though all of Studio Ghibli’s previous films were modest critical if not financial successes up to this point, Kiki’s Delivery Service was a true watershed moment for the studio, becoming the highest-grossing film in Japan in 1989 and securing critical acclaim both at home and overseas. The film is a story of independence, positivity and the font of inner strength that compels every young person to go out into the world and build a life for his or herself. 30. Tokyo Godfathers (2003)
Tokyo Godfathers is something of an outlier, not only among Satoshi Kon’s films, but across the medium of anime as a whole. After all, anime features that depict Christmas as something more than a backdrop are few and far between, especially one that offers such an inspired modern take on the Three Wise Men and the birth of the Christ. Tokyo Godfathers is the story of Gin, Hana and Miyuki, three homeless friends who discover an abandoned baby while rifling through the trash in search of a Christmas present. They resolve to find the child’s parents and bring her safely home, embarking on a journey that takes them to every far corner of the city and inevitably face-to-face with lives they had each abandoned. Named after Robert Ford’s 1948 western take on the christian nativity story, Tokyo Godfathers is Christmas story in the purest sense—a redemptive fable about fallible people and the extraordinary extent through which they go to set one piece of the world, however small, right. Compassionate and hopeful without once cheapening itself with saccharine sentimentality, Tokyo Godfathers resonates with a raw and honest appeal to emotion that merits comparison to the likes of Frank Capra’s It’s a Wonderful Life. If you’re a bit burnt out over Christmas cheer, do yourself a favor and put this one on around the holidays. You won’t regret it. 29. Your Name (2016)
Much like his contemporary Mamoru Hosoda, Makoto Shinkai is a director who is frequently championed as the “new” Hayao Miyazaki in the conversation surrounding who will succeed him as his heir apparent. This comparison however, much like in the case of Hosoda, ends up being frustratingly reductionist in its appraisal of both directors. Shinkai’s films are not light-hearted family adventures or archetypal pillars of anime canonicity, but tense, melancholic odes to contemporary Japanese society that highlight the ways in which physical, emotional and temporal distance inform the shape and course of human relationships. His fifth feature film, Your Name, exercises Shinkai’s predilection for “star-crossed love” to its narrative and thematic endpoint, situating the budding romance of the film’s protagonists at the epicenter of an astrological event of nothing shy of life-or-death consequence. The recipient of over a dozen awards, in addition to becoming the highest-grossing anime film of its time, Your Name is Shinkai’s most critically and commercially successful production to date, a masterful film that ranks among the very best the medium has to offer. 28. Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer (1984)
Before his name became synonymous with such titles as Patlabor and Ghost in the Shell, Mamoru Oshii first cut his teeth as an animator directing the television series adaptation of Rumiko Takahashi’s Urusei Yatsura manga and its first two theatrical installments. While the series’ first film, Only You, is a fairly typical fantasy romance-romp that plays close to the formulaic familiarity of the series, Beautiful Dreamer was a far more experimental and ultimately divisive film among the series’ fanbase and set Oshii on the path to become the director we know him as today. Beautiful Dreamer follows Ataru Moroboshi, a lecherous if well-meaning high schooler and his extraterrestrial fiancée Lum as he and his friends scramble to finish preparing for their high school’s annual school festival. It’s not long before they discover something strange is going on, with each day seemingly repeating itself ad infinitum. It’s up to Ataru, Lum and the other to discover what’s causing this bizarre temporal loop, and whether such a state of existence is either a blessing or a curse. With Beautiful Dreamer, Oshii stopped playing to the gratifications of his audience and instead made a film that was, for better or for worse depending on who you ask, entirely his own. In many ways, Beautiful Dreamer can be viewed as the forebear to The Disappearance of Haruhi Suzumiya, at least in terms of its ambition to upend and experiment with the status quo of an established series. If you’re looking for an engaging romance drama that doubles as an important touchstone in the history of one of anime’s most influential directors, Beautiful Dreamer is wholeheartedly recommended. 27. Roujin-Z (1991)
Katsuhiro Otomo is a legend in the field of anime and manga for good reason. Beyond his crowning achievement, Akira, he is responsible for a score of interesting and thought-provoking anime films that continue to push the boundaries of what animation can do. One such case is Roujin-Z, a pitch-black satire of the Japanese health care industry and military industrial complex. Otomo didn’t direct the film—Hiroyuki Kitakubo (Blood the Last Vampire, Golden Boy) did, with Otomo producing, writing and providing mecha designs. This was also the great Satoshi Kon’s first production. All the talent arrayed in the creation of Roujin-Z help make it one of the most singular animated comedies ever made. The story concerns a not-so-distant future where the government has developed a robot that can care for the elderly in every way—cleaning them, entertaining them, allowing them to use the bathroom, all while they remain safely ensconced in the unit. The first person to test the unit is a dying widower named Kiyuro Takazawa. He is deeply unhappy at being placed in the machine, and his unhappiness manifests itself in unexpected ways as his psyche infects the unit, and it begins to use ingrained abilities the government thought no one would discover. Soon enough, the Z-001 is careening across Tokyo, destroying buildings and battling government military hardware, all while Kiyuro wails about going to the beach, where he and his dead wife made some important memories. On paper, this all seems fairly dire, but all of these events are underplayed and lightened by several adorable side characters, from a rogues gallery of mischievous septuagenarian hackers, to Kiyuro’s devoted human nurse, Nobuko. Only Otomo would decide to house a trenchant social commentary about Japan’s discarding of its elderly inside a robot-gone-amok satire of government bureaucracy and greed. Somehow, it all hangs together and makes for a dark but often hilarious satire with some delightful scenes of robotic destruction. The film overall looks more like an OVA than a high-budget feature, but the designs are memorable and based in hard science (again, this is Otomo), and the characters are vibrant and goofy enough to soften the proceedings. Roujin-Z was dubbed in English by Manga Entertainment and released in the United States in 1994, and is still fairly easy to grab subbed or dubbed on DVD. Those looking for more Otomo after Akira would do well to give this unusual gem a look. —J.D. 26. Tekkonkinkreet (2006)
Based on Taiyo Matsumoto’s cult-classic manga, Tekkonkinkreet is a landmark in Japanese animation not only for its extensive hybrid 3D-meets-2D animation but also for being the first major anime feature to be helmed by a non-Japanese director. Tekkonkinkreet follows the stories of Black and White, two orphaned thieves and street fighters who “rule” over the metropolitan sprawl known as Treasure Town. When a small army of extraterrestrial land developers move into town to destroy the low-income housing in and around the city, the brothers attempt to defend their turf and fight back. But lightning-fast punches and death-defying leaps can only delay the inevitable for so long, and Black and White must both eventually come to grips with the consequences of trying to live in the past. Inspired by his time exploring the cityscapes of Hong Kong, Shanghai and Colombo, Treasure Town is almost a character itself—a love letter to the unique chaoticism of pan-Asian industrialism. Tekkonkinkreet is a complicated and compelling story of love and friendship amid a constantly crumbling and reshaping world that feels intimately tied to the communities through which it was inspired. It’s a story about the uneasy turmoil of emotional growth, of holding close to the core of what makes you who you are while learning to let go of everything else that holds you back. 25. Chỉ ngày hôm qua (1991)
Lần đầu tiên phát hành lại tại các rạp chiếu phim của Mỹ kể từ lần ra mắt Nhật Bản năm 1991, chỉ ngày hôm qua là một câu chuyện đơn giản về cuộc sống của một người phụ nữ thời thơ ấu và thời gian của cô ở vùng nông thôn khi trưởng thành. Trong khi các bộ phim của Miyazaki thường xuyên nghiêng về phía Fantastical, Takahata có một xu hướng chỉ đạo nhiều bộ phim truyền hình của con người được phân biệt với các phong cách nghệ thuật thử nghiệm và khác nhau. Chỉ ngày hôm qua, Taeko Okajima, một nhân viên văn phòng chưa lập gia đình 27 tuổi, người có một kỳ nghỉ để đến thăm đại gia đình của cô ở vùng đất nông nghiệp ở nông thôn Yamagata, nơi cô giúp thu hoạch nghệ tây. Trong khi ở đó, cô phản ánh lại thời gian là một cô gái trẻ lớn lên cùng bố mẹ ở Tokyo và cách mà những trải nghiệm của cô trở lại sau đó đã định hình cuộc sống của cô ở hiện tại. Chỉ ngày hôm qua là sự hiếm khi được phát hành lần đầu tiên vào năm 1991: một bộ phim hoạt hình phù hợp với khán giả trưởng thành gần như không có sự chú ý của chủ nghĩa hiện thực ma thuật đã xác định phần lớn các studio Ghibli (và hầu hết các ngành công nghiệp anime) làm việc cho đến thời điểm đó . Một câu chuyện đáng yêu về sức mạnh của nỗi nhớ và cách nó định hình nhận thức về thế giới và của chính chúng ta đến tuổi trưởng thành, chỉ ngày hôm qua đã bất chấp những kỳ vọng và tiếp tục trở thành bộ phim Nhật Bản có doanh thu cao nhất năm đó, truyền cảm hứng cho một làn sóng tương tự -Life Các tính năng và kiếm được sự hoan nghênh quan trọng của Takahata. Chỉ ngày hôm qua vẫn là một điều đặc biệt gần hai mươi lăm năm sau: một câu chuyện nghiêm túc và ảnh hưởng đến một người phụ nữ tiếp tục phát triển và học hỏi tốt quá khứ trở thành người lớn. 24. Nausicaä của Thung lũng gió (1984)
Nausicaä của Thung lũng gió, khá đơn giản, bộ phim chịu trách nhiệm cho việc tạo ra Studio Ghibli. Bộ phim không chỉ báo hiệu tình trạng non trẻ của Miyazaki, là một trong những người sáng tạo ưu việt của Anime, mà còn gây ra việc tạo ra một studio hoạt hình mà sản lượng sáng tạo sẽ thống trị phương tiện trong nhiều thập kỷ tới. Sau khi phát hành Castle of Cagliostro, Miyazaki được ủy quyền bởi nhà sản xuất và cộng tác viên lâu năm trong tương lai Toshio Suzuki để tạo ra một bộ truyện tranh để đưa ra một bộ phim tiềm năng tốt hơn cho chủ nhân của mình tại Animage. Kết quả là Nausicaä, một sử thi giả tưởng, lấy cảm hứng từ các tác phẩm của Ursula K. Le Guin và Jean Hồi Moebius Hồi Giraud, với sự tham gia thế giới. Thành công của Nausicaä với tư cách là một manga tuần tự hóa sẽ lên đến đỉnh điểm trong một bộ phim chuyển thể mà sau đó sẽ được coi là một trong những bộ phim hoạt hình vĩ đại nhất mọi thời đại. Nausicaä là bộ phim giới thiệu thế giới về các họa tiết và chủ đề mà Miyazaki sẽ được biết đến trên toàn cầu: một nữ nhân vật nữ can đảm vô thức và không bị cản trở bởi các chuẩn mực giới tính, sức mạnh của lòng trắc ẩn, sự vận động môi trường, và một tình yêu không thể tin được với Hiện tượng bay. Sự cần thiết của Nausicaä của Thung lũng Vị trí gió trong kinh điển lớn hơn của bộ phim hoạt hình, Nhật Bản hay nói cách khác, không thể được cường điệu hóa. Nó đã sinh ra cả một thế hệ hoạt hình, trong số đó có Hideaki Anno, người đã làm việc trong bộ phim Đêm chung kết Climactic Final sau đó sẽ truyền cảm hứng cho anh ta tiếp tục tạo ra Truyền giáo Neon Genesis. Nếu bạn đã xem bộ phim này, hãy làm như vậy ngay lập tức. Và nếu bạn đã có, nó chỉ trở nên tốt hơn theo tuổi. 23. Ký ức (1995)
Sau khi kết thúc sản xuất trên Akira năm 1988, Katsuhiro Otomo trở lại vào năm 1995 để điều khiển bộ sưu tập phim ngắn thứ ba của mình, có tựa đề Memories. Ban đầu được viết kịch bản xung quanh chủ đề của bộ sưu tập tên của bộ sưu tập, tuyển tập cuối cùng đã mang lại một loạt ba chiếc quần short, mỗi chiếc được chỉ đạo bởi một trong ba đạo diễn được hoan nghênh nhất làm việc vào thời điểm đó, bao gồm cả Otomo. Bộ sưu tập Phân đoạn đầu tiên của bộ sưu tập, hoa hồng từ tính, được nhất trí ca ngợi là tuyển tập tốt nhất và vì lý do chính đáng. Được đạo diễn bởi Koji Morimoto và được kịch bản bởi Satoshi Kon, Hồi từ Rose Rose là biểu tượng của các chủ đề về nhận thức, bản sắc và sự không chắc chắn, trong đó minh họa cho công việc của Kon ở mức tốt nhất, mô tả câu chuyện đáng sợ về một cuộc hành trình cứu hộ không gian sâu sắc Một ca sĩ opera quý tộc. Hai phần khác của tuyển tập, Tensai Okamura của Stink Bomb Bomb và Otomo's Spe Phong cách nghệ thuật Terry Gilliam-esque trong một thời gian dài. Bất kể khẩu vị của bạn như một người đi xem phim anime, những ký ức không thể bỏ qua. 22. Ninja Scroll (1993)
Set during the Tokugawa era of Japan, Ninja Scroll follows the story of Jubei Kibagami, an itinerant samurai warrior (partly inspired by the real-life folk hero, Jubei Yagyu) who is recruited by a government agent to defeat the Eight Devils of Kimon, a cabal of demonic ninja who conspire to overthrow the Tokugawa regime and plunge Japan into destruction. Along the way he meets Kagero, a beautiful and mysterious poison eater, and is forced to confront the demons of his past as he fights to preserve the present. Produced during the boom of anime’s foreign markets, Ninja Scroll was one of the first titles released by Manga Entertainment in the West. Its well-defined animation, unflinching hyper-violence, and impressively creative fight sequences made it a requisite gateway title for early anime fans and is rightfully looked upon as a cult classic to this day. The film qualifies as a time capsule for one of anime’s heyday periods, with exquisite production values married to impeccably crafted set pieces. Ninja Scroll pushed the boundaries of excess, with unflinching depictions of sensuality and sexual violence shown alongside showers of gore and decapitation. The film was front-and-center for the argument that anime “wasn’t just for kids” in the mid-’90s, and qualifies today as a must-see title for a serious anime fan. Yoshiaki Kawajiri’s Ninja Scroll is the quintessential anime chanbara action film, no question. 21. Panda and the Magic Serpent (1958)
Based on the Chinese folktale The Legend of the White Snake, Panda and the Magic Serpent is noteworthy for being not only being the first full color anime film, but for being the first licensed anime film to be shown in America. In 1952, shortly after the post-war animosities between Japan and the West began to dissipate, Toei studio acquired the rights to the story and five years later set out to adapt it into a feature-length film. Hiroshi Okawa, president of Toei films at the time, had hoped to emulate the personality-driven marketing of Walt Disney with the film, aiming to transform the studio into the so-called “Disney of the East.” Despite receiving honors at the Venice Children’s Film Festival in 1959, the film performed poorly in the states and received a very small theater run. The film’s significance doesn’t stop there though, as Panda and the Magic Serpent is credited by Hayao Miyazaki as one of the films that first inspired him to become an animator and Rintaro, who would later become an influential director in his own right for such films as Galaxy Express 999 and Metropolis, got his first animation job as an in-betweener working on this very film. 20. Mind Game (2004)
Trying to pin down Masaaki Yuasa’s 2004 breakout debut with a summary is no easy task, as the now-storied director behind such modern anime classics as Kick-Heart, Ping Pong and The Tatami Galaxy revels in defying expectations with his maximalist anything-goes approach to animation. When 20-year-old aspiring comic artist Nishi dies in a yakuza hold-up while attempting to protect his childhood crush Myon, his soul meets God before escaping Limbo and reassuming his body moments before his tragic death. The couple lead a high-speed getaway in one of the Yakuza member’s cars before diving into the ocean and being swallowed into the belly of a … see what I mean? Mind Game is like witnessing a seven-hour Ayahuasca trip encapsulated into a feature-length film. Impressionistic, avant garde, and above all unique, Mind Game is a confusing and exhilarating shock to the senses that’s just shy of impossible to forget. 19. Redline (2009)
Without question, Takeshi Koike is one of the greatest animators alive and working today. Problem is, you’ve probably never heard of him. Not surprising, considering his most critically recognized work was not produced until well into his late thirties. Recruited by studio Madhouse straight out of high school in 1986, Koike became something of a protégé to veteran director Yoshiaki Kawajiri and cut his teeth as an inbetween animator for such films as Cyber City Oedo 808 and Ninja Scroll before striking out on his own projects during the 2000s. After directing projects such as Trava: Fist Planet, The Animatrix short “World Record,” and the pilot for Afro Samurai, Koike poured the sum total of his talents into creating what is now popularly considered his opus: Redline, a stylistically bold high-octane racing adventure nearly seven years in the making. Koike’s style is unmistakable, with exaggerated silhouettes framed by jagged shadows, extreme focal points, and unrelenting action that recalls the works of Mike Mignola, Frank Miller and Peter Chung. Redline is a feast for the senses, a no-holds-barred visual spectacle with every framed packed with innocuous intricacies rendered in meticulous loving detail. The story is threadbare, no doubt, but as a film that triumphantly pays off its protracted gestation period with a product that’s this unabashedly impressive and downright cool, Redline squarely fits into the select number of anime films that one just has to see before they die. 18. Belladonna of Sadness (1973)
Inspired by Jules Michelet’s book Satanism and Witchcraft, the third and final film in Osamu Tezuka’s “Animerama” trilogy was so expensive and avant-garde, its failure bankrupted its production company, Mushi Pro. The only film in the trilogy not directed by Tezuka (he left the project in its conceptual stages), Eiichi Yamamoto’s Belladonna of Sadness is amongst the most unusual animated films ever put to celluloid. This is not a huge surprise from a talent as legendary as Yamamoto, among whose mighty credits are titles like Kimba the White Lion and Space Battleship Yamato. Belladonna of Sadness is the tale of a village woman named Jeanne who is raped by her liege lord and his men on her wedding night, then makes a literal deal with the devil to gain magical powers and lead a rebellion against her rapists. Belladonna is extreme in every sense of the word: Start with the look—the film consists almost entirely of pans across still watercolor paintings, with occasional expressive bursts of color and movement scattered throughout. The designs owe virtually nothing to traditional anime character construction, or even Tezuka’s own, more cartoonish style. Instead, the film’s great debt is to European painters like Gustav Klimt, Degas and Kandinsky, among others. Filled with haunting music, lots of disembodied voice-over and vibrantly rendered yet horrifying scenes of rape, nudity, murder and madness, it’s no surprise Belladonna of Sadness was banned in many countries for decades. The feminist subtext of the film is very much foregrounded—clearly Jeanne is an avatar for Jeanne D’Arc (Joan of Arc), and there are also direct links in one scene between Jeanne and Marianne, the female personification of the French Republic—and despite the darkness Jeanne wallows in and the horrors she is subjected to, this is a film worth experiencing, mostly because there has really been nothing like it either before or since. The tale is brutal, but the beauty in which it’s told means we can’t look away. —Jason DeMarco 17. Millennium Actress (2001)
Satoshi Kon’s second film, Millennium Actress, builds off the themes of cinema and celebrity previously explored in his debut Perfect Blue, instead casting them in the mold of a metafictional fairytale quest for love. Inspired by the lives of Setsuko Hara and Hideko Takamine, two of Japan’s premiere early-century stars, Millennium Actress follows the story of Chiyoko Fujiwara, a reclusive septuagenarian who recounts the story behind her illustrious career as a film actress when approached by a pair of interviewers eager to film a documentary. One of Kon’s signature motifs as a director is the mutability of reality and fantasy, exploring how the two constantly dovetai into one another, creating works that speak to the multiplicity of the human experience. Millennium Actress is a prime example of this, with the film’s presentation constantly assaulting the fourth wall, blending factual events and cinematic flair until the two are inseparable. Unlike most of his contemporaries, Kon was not satisfied to look only toward the insular vacuum of genre anime for inspiration, but instead looked to such works as George Roy Hill’s 1972 adaptation of Slaughterhouse-Five, a film whose use of scene cuts and transitions play a huge role in distinguishing Millennium Actress among other films of its time. Combining references to the physical comedy of Buster Keaton, Akira Kurosawa’s Throne of Blood and Hiroshi Inagaki’s Rickshaw Man, Millennium Actress is a testament to Kon’s enduring love of cinema. It deserves to be seen, examined and cherished for years to come. 16. Super Dimension Fortress Macross: Do You Remember Love? (1984)
Shoji Kawamori’s Macross, known in the United States as Robotech, has a convoluted history both in its country of origin and here in the states. The first Macross movie, 1984’s Macross: Do You Remember Love? further complicated the Macross legacy. The film is essentially a reimagining of the (at the time) popular TV series, Macross. Like the show, the film centers around the crew of a giant space fortress, Macross, as they attempt to evade an alien race, the Zentradi, and discover that the key to their victory just might be the effect that Earth-made pop music has on their enemy. Yes, you read that right. The film’s other focus is the love triangle between dashing pilot Hikaru Ichijyo, pop idol Lynn Minmay, and lieutenant Misa Hayase. Although the cast of characters and voice actors are the same as those that appear in the TV series, and the plot covers much of the same ground, within the canon of the Macross universe, Do You Remember Love? is actually a popular, fictionalized retelling of the true events that occurred in the series. Regardless, Macross: Do You Remember Love? nails everything great about the show—gorgeous mecha designs, excellent dramatic (if a little over the top) storytelling, and an alternatively infuriating and captivating love triangle—and does so in a little over two hours. If you’re looking to understand the appeal of Macross, this is the place to start. In many ways it is typical of its time, in terms of character design, themes and the plot device of a band of humans on the run from an alien menace. Yet it is an incredibly well designed, directed and animated film that retains its sense of adventure even in the context of the somber overall plot. A massive hit in Japan, it has never had an uncut, official release in the United States due to legal squabbles between Harmony Gold, the American rights holder for Macross, and various Japanese production entities. The original film was a huge hit in Japan, with lines stretching around the block on the weekend of its premiere, and is now considered a classic. It’s hard to track down for U.S. fans, but well worth the effort for anyone looking for a good space opera … and pop music good enough to defeat an alien race. —J.D. 15. Metropolis (2001)
Not to be confused with Fritz Lang’s landmark 1927 sci-fi film of the same name, Metropolis is instead a loose adaptation inspired by Osamu Tezuka’s 1949 manga, which itself was inspired in part by Lang’s aforementioned opus. Written by Katsuhiro Otomo and directed by Rintaro, the film’s aesthetic and themes share more than a passing resemblance to Otomo’s genre-defining Akira. Set in the titular multi-layered megacity amid social upheaval between the human bourgeoisie and the robotic working class, Metropolis follows the story of private detective Shunsaku Ban and his nephew Kenichi who, while visiting Metropolis on their mission to apprehend the nefarious Dr. Laughton, happen upon a mysterious robotic girl named Tima whose existence may in fact hold the key to either the city’s salvation or destruction. Much like Akira, Metropolis is a sprawling epic of intersecting storylines, sweeping set pieces, and monolithic settings packed with a dense array of intricate details and beautiful color palettes. Decidedly darker than Tezuka’s manga, the film is neither an adaptation of either that or Lang’s film but rather an attempt to expand upon the inspiration of the two. A high-flying sci-fi adventure that doubles as social commentary for the shared struggle and seemingly inevitable antagonism between factions of the lower working class and humankind’s hubristic quest for power and control of a world that dwarfs their ambitions. Metropolis may not have struck big at the box office—only earning $4 million towards its $15 million budget—and it may not resonate with the same cult classic recognition as films like Ghost in the Shell or Ninja Scroll, but it remains an immense achievement by two of the greatest anime directors alive who sought to both honor and surpass the work of one of the most influential anime pioneers of all-time. 14. Barefoot Gen (1983)
There is perhaps no more catastrophically significant event in modern Japanese history than that of the nuclear bombardment of Hiroshima and Nagasaki during World War II. Keiji Nakazawa’s 1973 semi-autobiographical manga Barefoot Gen is a testament to this event, depicting one young boy’s struggle to survive in the wake of witnessing his friends and family gruesomely disintegrated by the indiscriminate force of a nuclear impact. Mori Masaki’s adaptation takes Nakazawa’s original and brings it to life on screen, delivering a harrowing snapshot of one of history’s most horrific instances of mass annihilation. The fateful scene where the Enola Gay detonates the bomb over Hiroshima is breathtaking and heart wrenching, as six-year old Gen’s home is pummeled in a shockwave of devastating power before subsiding into a plume of atomic hellfire. But to reduce Barefoot Gen’s significance to that of only being destruction porn created to induce guilt would be disingenuous. The film is, all in all, a human story of resilience and stubborn hope in the face of annihilation, and hopefully can be looked back upon as a sobering reminder of the costs of unremitting warfare and what we all still have to lose if we were to forget the lessons of the past. 13. Pom Poko (1994)
Pom Poko is the type of film that feels inconvertible from its cultural origin. Forget trying to make this one more palatable for Western sensibilities, Pom Poko doubles down on the qualities that identify it as Japanese film and brandishes them proudly for all to see. Although better known for his realistic human dramas rendered through increasingly more experimental animation techniques, Pom Poko is Isao Takahata’s first foray into full-on fantasy farce, depicting the story of a clan of Japanese raccoon dogs (known as “tanuki”) whose home is ravaged by urban development. Emboldened both to defend their home and possibly learn to peacefully coexist alongside the humans, the tanuki retrain themselves in their lost ancestral ability of transformation to disguise themselves in modern society. But what distinguishes Pom Poko as such a unique cultural curiosity? The answer is simple: balls. Or, to be more descriptive, the on-screen prominence of the tanuki’s testicles as they use them in increasingly more inventive ways to disguise or defend themselves. Though surprisingly non-explicit and unquestionably coded as a children’s comedy film, this aspect might turn off potential audiences from exploring it and perhaps explains why the movie is relatively so unknown even among ardent of Studio Ghibli fans. Still, Pom Poko is a brilliant slapstick take on traditional Japanese mythology—something of a cross between Watership Down meets The Gods Must Be Crazy—that’s full of zany and inventive animation and genuine emotional depth. If you’ve always yearned in your heart of hearts for a Studio Ghibli film where a pack of anthropomorphic raccoons use their gigantic testicles as bludgeoning weapons in a last stand against police officers, rest assured because your prayers have been answered. 12. Princess Mononoke (1997)
One persistent theme across all of Studio Ghibli’s work, in particular Miyazaki’s, is that there rarely are any true villains. This sentiment is perhaps most apparent in Princess Mononoke, Miyazaki’s seventh film and notably one of his darkest. Set during the early 16th century, the film follows the story of Ashitaka, the last remaining prince of a small eastern village who is wounded while defending his home from a wild boar overtaken by a malicious spirit. Mortally cursed with no hope of a cure, Ashitaka takes it upon himself to journey to the West and discover and halt whatever malevolent force is causing this havoc. What he finds there is more complicated than he could have imagined: a settlement of humans mining the region to build a home while fending off the forces of the nearby forest who see their world being destroyed. Later he meets San, a young woman raised by the clan of wolves who defend the forest as he attempts to broker an uneasy peace between the two sides. Princess Mononoke is the epitome of Miyazaki’s appeal to environmentalism, melding traditional fantasy and Japanese folklore to create the director’s most serious and adult-oriented work to date. The film’s violence is a sharp divergence from Miyazaki’s relatively goreless body of work, with limbs being severed with callous abandon and wild boar gods weeping blood as they trudge on a death march through the forest. It’s an exhilarating, heartbreaking and colossal film whose message will leave audiences changed by its final scene. Quite simply, it is everything that one would come to expect from the pedigree of Hayao Miyazaki. 11. Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (1987)
In 1987, an upstart Japanese studio called Gainax pitched Bandai Visual on the idea of a very expensive animated film about an alternate reality in which two nation states, torn by war, struggle to be first to develop manned space flight in an industrialized society. Bandai Visual, who was looking to break into the film market, liked the idea, and thus Royal Space Force: The Wings of Honnêamise was put into production, for the (at the time) massive price tag of 8M yen. The result is essentially a two-hour art film, a rumination on man’s capacity for greatness and evil that would end up as one of the most visually detailed animated films ever made … and a flop at the box office. The story concerns a young man, Shirotsugh Lhadatt, who joins the much derided “Space Force” of his nation state, Honnêamise, which is locked in perpetual war with a rival nation, The Republic. We witness Shirotsugh’s growth as a person and his journey to become an astronaut as well as his budding relationship with Riquinni Nonderaiko, a young woman whose excitement about what the space program symbolizes ignites Shirotsugh’s own passion. Perhaps one reason why The Wings of Honnêamise is rarely spoken of as a masterpiece these days is the widespread critical rejection of one particular scene, which (rightfully) has sharply divided audiences over the years. In this scene, Shirotsugh makes his way to Riquinni’s house and comes close to raping her before realizing the horrible thing he is about to do, and stopping himself. He apologizes to Riquinni, who essentially tells him it was her fault for leading him on. The reasons for, and meaning behind, the attempted rape scene and what it’s supposed to say about Shirotsugh are sound, but the reaction of Riquinni makes no sense in context of the story, and very much smacks of ’80s Japanese cultural misogyny. Obviously, watching these scenes with today’s sensitivities in place will make them seem even more pointlessly barbaric. Even so, regardless of how one feels about this particular scene, the rest of the film is well worth critical evaluation. If The Wings of Honnêamise is a “noble failure,” it’s the sort of failure many filmmakers would kill to have on their résumé. —J.D. 10. Neo-Tokyo (1987)
Released in 1987 under the original title of Manie-Manie: Labyrinth Tales, Neo-Tokyo is anthology omnibus featuring shorts directed by three of the most prolific anime directors of the late-’80s: Rintaro, Yoshiaki Kawajiri, and of course, Katsuhiro Otomo. The collection was later renamed by Streamline Pictures upon its re-release in 1989 to suggest a non-existent tie-in to Otomo’s critically acclaimed Akira, which had seen a limited North American release that year. Rintaro’s “Labyrinth Labyrinthos” draws inspiration from German Expressionism and the works of Salvador Dali, depicting the story of a mischievous young girl named Sachi as she and her pet cat Cicerone are drawn into a dark dimension of hallucinatory oddities through the looking glass of her mother’s dresser. Yoshiaki Kawajiri’s “The Running Man” is a grim sci-fi noir short inspired by Blade Runner told from the perspective of a sports reporter who witnesses the final race of Zach Hugh, the fabled star of a deadly racing tournament who slowly develops deadly psionic abilities. The final short, “Construction Cancellation Order,” is arguably the anthology’s best and most accessible entry. Directed by Otomo, the short follows Tsutomu Sugioka, a Japanese salaryman dispatched by his superiors to the remote (and fictitious) South American country of the Aloana Republic to shut down their remote construction designated Facility 444. Labelled by both fans and critics alike as anime’s equivalent to Francis Ford Coppola’s Apocalypse Now, the short is indicative of Otomo’s social satire period, which would later produce Roujin-Z, taking pointed aim at the bureaucratic absurdity of Japanese working society. Though for the most part absent of any real thematic connectivity, Neo-Tokyo is a concise and powerful example of the dizzying heights of technical mastery and aesthetic ambition anime can achieve when put in the hands of the medium’s most inimitable creators. 9. Neighbor Totoro (1988)
Hàng xóm Totoro của tôi không chỉ là bộ phim mang tính biểu tượng nhất của Miyazaki, mà còn là một bộ phim gia đình hoàn toàn nhưng hoàn hảo để chắt lọc bản chất của thời thơ ấu trở nên hay thay đổi. Bộ phim có một sự hấp dẫn vượt thời gian về chính nó, giải giáp khán giả mới và cũ trong sự hoài nghi và nghi ngờ của họ với các bối cảnh tuyệt đẹp, các nhân vật đồng cảm và chủ đề ban nhạc diễu hành truyền nhiễm. Lấy bối cảnh vào năm 1958, bộ phim theo giáo sư đại học Tatsuo Kusakabe và các con gái của ông Satsuki và Mei khi họ chuyển đến một ngôi nhà cũ dọc theo vùng nông thôn để gần gũi hơn với mẹ của họ, người đang hồi phục sau một căn bệnh dài. Chúng ta nhìn thế giới qua đôi mắt của các cô gái: nhảy qua những cánh đồng dọc theo ngôi nhà, đuổi theo những con ve bụi, và rơi xuống những lỗ hổng trong căn cứ của cây để hạ cánh an toàn trên cái dạ dày của một con vật tinh thần nhân từ. Hàng xóm Totoro của tôi là một cuộc cách mạng trong thời gian xa xỉ vào những khoảnh khắc chiêm nghiệm yên tĩnh trong thời gian mà hầu hết các anime bị chi phối bởi cuộc rượt đuổi từ một flash đến cảnh tượng tiếp theo. Nhà phê bình bộ phim quá cố Roger Ebert đã mô tả nó hay nhất, Totoro hàng xóm của tôi dựa trên kinh nghiệm, tình huống và khám phá, không phải về xung đột và đe dọa. Nó có một bộ phim được hình thành đầy đủ từ trí tưởng tượng của một nhà làm phim hoạt hình bậc thầy, một bộ phim về phép thuật hàng ngày là một đứa trẻ và sức mạnh đơn giản là gặp gỡ thế giới với một trái tim rộng mở. 8. Patlabor 2 (1993)
Patlabor 2 là tác phẩm hình thành nhất của Mamoru Oshii, một phim kinh dị chính trị trong khí quyển đã thiết lập khuôn mẫu cho thẩm mỹ và tâm trạng mà sau này trở thành chữ ký của anh ta và phân biệt giai điệu và chất của tác phẩm nổi tiếng nhất của anh ta, Ghost in the Shell. Đặt ba năm sau bản gốc, Patlabor 2 một lần nữa theo sau đơn vị phương tiện đặc biệt thứ 2 của Sở Cảnh sát Thủ đô Tokyo khi họ bị cuốn vào cuộc khủng hoảng khác, lần này mà để gắn kết một cuộc đảo chính để lật đổ chính phủ. Trong những bộ phim trước đây của mình, Oshii chỉ tán tỉnh bình luận chính trị mà bị loại bỏ với lề của các cốt truyện hành động pop tiêu chuẩn hơn, Patlabor 2 là một phim kinh dị chính trị đầy đủ thấp trong các cuộc đấu robot khổng lồ và nặng nề về không gian, cảm xúc và cẩn thận nhịp độ. Nó là một công việc của thành tích kỹ thuật hoàn hảo, sự trưởng thành và sự sâu sắc về triết học như thế nào ngày nay như gần hai mươi ba năm trước. Đó là đỉnh cao của một nhà làm phim hoạt hình chính đi vào sự trọn vẹn của các khoa sáng tạo của anh ấy và lời nói đầu về tinh thần cho bộ phim mà sau này sẽ trở thành Magnum Opus của anh ấy. 7. Blue hoàn hảo (1997)
Hoàn hảo màu xanh là một sự hiếm hoi quý giá trong sự bão hòa thể loại của anime đương đại: một phim kinh dị tâm lý trung thực đến thần có sự ác ý, đe dọa và tinh tế điện ảnh. Được chuyển thể từ tiểu thuyết Yoshikazu Takeuchi, năm 1991, Satoshi Kon, tác phẩm đầu tay sau Mima Kirigoe, một ca sĩ nghỉ hưu từ bộ ba nhạc pop-id đã nổi tiếng để theo đuổi sự nghiệp là một nữ diễn viên. Khi những áp lực trong sự nghiệp mới của cô bắt đầu gây thiệt hại cho họ, một chuỗi những vụ giết người tàn độc được gây ra bởi một kẻ tấn công bí ẩn, người tự xưng là một đặc vụ của Real Real Mima Mima bắt đầu bao vây bộ vai trò lớn đầu tiên của cô. Khi ranh giới giữa cuộc sống riêng tư và công cộng của cô bắt đầu mờ đi, sự kìm kẹp của Mima, bắt đầu sờn khi cô vấp ngã sâu hơn vào một cái đuôi của trầm cảm và điên rồ. Một cinephile đã được thừa nhận, những ảnh hưởng rõ ràng nhất đối với công việc của Kon, trên Blue hoàn hảo không thể nhầm lẫn với sự tâm lý của Alfred Hitchcock, và Jonathan Demme, The Im lặng của những con cừu. Dario Argento, 1977 Giallo Classic Suspiria cũng được người hâm mộ và các nhà phê bình trích dẫn là nguồn cảm hứng tâm linh có thể, mặc dù chính Kon đã phủ nhận đã xem bất kỳ bộ phim nào của Argento trước khi nghe những so sánh này. Với việc chỉnh sửa sáng tạo tinh xảo, hướng màu sắc chu đáo và một âm mưu hấp dẫn, Kon đã thực hiện một chuyến đi đầu tiên mạnh mẽ với tư cách là một đạo diễn sẽ thiết lập quán bar cho sự nghiệp kéo dài hàng thập kỷ của mình. Mặc dù có vẻ như là một bộ phim về độc tính vốn có của văn hóa nhạc pop trong việc sản xuất thần tượng với sự mê đắm tương tự như nó sẽ phá hủy chúng, Kon đã không quan tâm đến việc đọc bề mặt của tác phẩm của mình. Sự quan tâm của anh ấy đã được tìm thấy bên dưới các nếp gấp của những câu trả lời dễ dàng và đạo đức để đặt ra sự thật rằng, như một trong những nhân vật của anh ấy trích dẫn từ một kịch bản, không có sự thật cố định về chúng tôi, chỉ có một dòng ký ức liên tục được đặt hàng và hợp lý hóa . ” 6. The Wind Rises (2013)
Of all of Miyazaki’s most persistent tropes and motifs, there are none more consistently threaded throughout the body of work than that of the depiction of flight. So it’s no surprise that The Wind Rises, his eleventh and final feature film to date, would focus squarely on depicting the life of Japanese aviation engineer Jiro Horikoshi and the complicated legacy his creations relate not only to the pacifist cultural identity of contemporary Japan but also, on a personal level, to Miyazaki himself. A story of how a creator cannot control what their work becomes, only the dedication and craft to which they pour into the work itself. The Wind Rises is nothing short of Miyazaki’s final artistic testament to humanity’s paradoxical capacity for both the redemptive act of creation and dogged pursuit of self-annihilation. A film that is in no uncertain terms a conclusion, if not to Miyazaki’s venerable career as one of the undisputed patriarchs of modern Japanese animation, then a thematic coda that ties together an elegant knot at the end of his venerated and storied career as a director. 5. Paprika (2006)
In a career of impeccable films, Paprika is arguably Kon’s greatest achievement. Adapted from the 1993 novel by Yasutaka Tsutsui (whose other notable novel, The Girl Who Leapt Through Time, would form the basis of Mamoru Hosoda’s 2006 film of the same name), Kon could not have asked for source material that better suited his thematic idiosyncrasies as a director. Paprika follows the story of Atsuko Chiba, a psychiatrist working on revolutionary psychotherapy treatment involving the DC Mini, a device that allows the user to record and navigate one’s dreams in a shared simulation. By day Atsuko maintains an unremittingly cold exterior, but by night she moonlights as the film’s titular protagonist: a vivacious dream detective who consults clients on her own terms. When a pair of DC Minis are stolen and loosed upon the world, causing a stream of havoc which manifests the collective unconscious into the waking world, it’s up to Paprika and her colleagues to save the day. The summation of Kon’s decade-long career as a director, Paprika is a cinematic trompe l’oeil of psychedelic colors and exquisite animation. Kon’s transition cuts are memorable and mind bending, the allusions to his immense palate of cinematic influences are savvy, and his appeal to the multiplicity of the human experience as thoughtful and poignant as ever. Unfortunately, Paprika would turn out to be Kon’s last film, as he would later tragically pass away in 2010 from pancreatic cancer. One fact remains evident when looking back on the sum total of his life’s work: Satoshi Kon was, and remains, one of the greatest anime directors of his time. He will be sorely missed. 4. Ghost in the Shell (1995)
It’s difficult to overstate how enormous of an influence Ghost in the Shell exerts over not only the cultural and aesthetic evolution of Japanese animation, but over the shape of science-fiction cinema as a whole in the 21st century. Adapted from Masamune Shirow’s original 1989 manga, the film is set in the mid-21st century, a world populated by cyborgs in artificial prosthetic bodies, in the fictional Japanese metropolis of Niihama. Ghost in the Shell follows the story of Major Motoko Kusanagi, the commander of a domestic special ops task-force known as Public Security Section 9, who begins to question the nature of her own humanity surrounded by a world of artificiality. When Motoko and her team are assigned to apprehend the mysterious Puppet Master, an elusive hacker thought to be one of the most dangerous criminals on the planet, they are set chasing after a series of crimes perpetrated by the Puppet Master’s unwitting pawns before the seemingly unrelated events coalesce into a pattern that circles back to one person: the Major herself. When Ghost in the Shell first premiered in Japan, it was greeted as nothing short of a tour de force that would later go on to amass an immense cult following when it was released in the states. The film garnered the praise of directors such as James Cameron and the Wachowski siblings (whose late-century cyberpunk classic The Matrix is philosophically indebted to the trail blazed by Oshii’s precedent). Everything about Ghost in the Shell shouts polish and depth, from the ramshackle markets and claustrophobic corridors inspired by the likeness of Kowloon Walled City to the sound design, evident from Kenji Kawai’s sorrowful score to the sheer concussive punch of every bullet firing across the screen. Oshii took Shirow’s source material and arguably surpassed it, taking an already heady science-fiction action drama and transforming it into a proto-kurzweilian fable about the dawn of machine intelligence. Ghost in the Shell is more than a cornerstone of cyberpunk fiction: It’s more essential in this day and age than it was over twenty-years ago. A story about what it means to craft one’s self in the digital age, a time where the concept of truth feels as mercurial as the net is vast and infinite. 3. Grave of the Fireflies (1988)
Isao Takahata’s Grave of the Fireflies is the harrowing story of two children whose lives are left devastated by the 1945 firebombing of Kobe. Adapted from the autobiographical story of Akiyuki Nosaka, the film follows Seita, a young Japanese boy forced to care for his younger sister Setsuko in the wake of a devastating Allied attack that leaves his hometown in ruins. To describe the sum of their tragedies as “horrifying” feels like a gross understatement. The horror of Grave of the Fireflies is not reliant on brooding over callous acts of violence or fixating on the macabre, but rather on the heart-wrenching futility of Seita and Satsuko trying desperately to cling to some shred of normalcy in a world devoid of peace and security. Whether it’s the scene of Seita setting eyes on his mother for the first time after the firebombing, or Satsuko inadvertently stumbling across a corpse while playing at the beach, the film raises these children’s hopes of escaping a living hell on earth as quickly as it dashes them. The film is extraordinary in that it shows the audience, with no uncertainty, that these children will perish and somehow through its hour-and-a-half running time compels the viewer to hope that this fate can be averted. Grave of the Fireflies is a chilling portrait of the fragility of human life when confronted by the indifferent brutality of an uncaring world, a film utterly unlike anything Studio Ghibli had produced before or since. Tragic in the truest sense of the word, Grave of the Fireflies is not only one of the greatest films the studio has ever produced, but unmistakably one of the greatest anime films of all time. 2. Spirited Away (2001)
What is it about Hayao Miyazaki’s Spirited Away that makes it one of his greatest—if not the greatest—films he has ever made? Perhaps it’s because the film represents the best expression of his most defining themes and concepts to date. The strength and perseverance of a young woman, the rapturous glory of flight, the spiritual struggle of personal and cultural amnesia with Japanese society, the redeeming power of love. Or maybe it has something to do with the crux of the film’s story being so archetypically identifiable, not so much a modern reimagining as it is a spiritual evocation of Lewis Carroll’s Alice in Wonderland, a childhood odyssey in a world that feels both familiar and foreign at the same time. Whatever the case, there is nothing quite like watching Spirited Away for the first time. The image of Chihiro, having discovered her parents transformed into pigs, running frantically through the streets as the town surrounding her comes to life as lights flicker into existence and spirits rise up from the earth is nothing short of magical. Films like Nausicaä , Princess Mononoke and My Neighbor Totoro introduced the world to Hayao Miyazaki, but it was Spirited Away that secured his name among the canon of the greatest animators to have ever lived and ensured his legacy for decades to come. 1. Akira (1988)
The sum total of anime cinema from the early ’90s to present day is marked by the precedent of Katsuhiro Otomo’s Akira. Adapted from the early chapters of Otomo’s landmark manga series, Akira was the most expensive animated film of its time and cinematic benchmark that sent shockwaves throughout the industry. Set thirty-one years after after World War III was sparked by a massive explosion that engulfed the city of Tokyo, Akira is set in the sprawling metropolis of Neo-Tokyo, built on the ruins of the former and teetering precariously on the cusp of social upheaval. The film follows the stories of Kaneda Shotaro and Tetsuo Shima, two members of a youth motorcycle gang whose lives are irrevocably changed one fateful night on the outskirts of the city. While clashing against a rival bike gang during a turf feud, Tetsuo crashes into a strange child and is the promptly whisked away by a clandestine military outfit while Kaneda and his friends look on, helplessly. From then, Tetsuo begins to develop frightening new psychic abilities as Kaneda tries desperately to mount a rescue. Eventually the journeys of these two childhood friends will meet and clash in a spectacular series of showdowns encircling an ominous secret whose very origins rest at the dark heart of the city’s catastrophic past: a power known only as “Akira.” Like Ghost in the Shell that followed it, Akira is considered a touchstone of the cyberpunk genre, though its inspirations run much deeper than paying homage to William Gibson’s Neuromancer or Ridley Scott’s Blade Runner. Akira is a film whose origins and aesthetic are inextricably rooted in the history of post-war Japan, from the 1964 Tokyo Olympics and the “Anpo” student protests of that era to the country’s economic boom and the then-nascent counterculture of Bosozoku racing. Akira is a film of many messages, the least of which a coded anti-nuclear parable and a screed against wanton capitalism and the hubris of “progress.” But perhaps most poignantly, at its heart, it is the story of watching your best friend turn into a monster. Akira is almost singlehandedly responsible for the early 1990s boom in anime in the West, its aesthetic vision rippling across every major art form, inspiring an entire generation of artists, filmmakers and even musicians in its wake. For these reasons and so many more, every anime fan must grapple at some point or another with Akira’s primacy as the most important anime film ever made. Long Live Akira! Toussaint Egan là một nhà văn ăn tạp văn hóa, người đã viết cho một số ấn phẩm như Kill Screen, & nbsp; Playboy, & nbsp; Floss tinh thần, và & nbsp; Paste.Hãy cho anh ta một tiếng hét trên & nbsp; Twitter. |
